15 - 18 mai 2019

Une nouvelle perspective

Faux souvenir ou souvenir refoulé ? Juxtaposition de perception et de souvenir ? Signe de vie antérieure, illusion ou anomalie temporelle ? L’éternel retour du même ? La sensation du déjà-vu intrigue autant artistes, philosophes que scientifiques.

L’édition 2019 des Journées Art & Science aura lieu pour la première fois à Saint-Etienne. Tout en proposant de nouvelles rencontres et découvertes, cette 6e édition comportera quelques rappels des éditions précédentes – le tout dans un contexte nouveau.

Nous consacrons cette édition 2019 des Journées Art & Science au déjà-vu dans ses différentes dimensions.

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15 - 18 mai 2019 - Médiathèque de Tarentaize

Expositions prolongées jusqu'au 25 mai

Inauguration des expositions le 15 mai à 16h avec une performance musicale : Next Level

Réminiscence

Dans le cadre des Journées Art et science 2019, cette exposition présente un parcours photographique autour de deux thèmes mis à l'honneur cette année : le "déjà-vu" et "le temps".

De photo en photo, on suit le cheminement d'un regard qui, d'échos en reflets, se libère, se cherche et avance, vers la vie, vers l'amour, et toutes les merveilles de ce monde, se saisissant du temps qui lui est donné - avant de peu à peu s'effacer, pour enfin disparaître, dans un dernier hommage aux pouvoirs de la réminiscence et de l'image.

Carole Chollet est née à Blois et vit actuellement à Nantes.
Elle tient depuis 2012 le blog de photographies et de textes Chemin des jours.

Sampo - la boîte à musique numérique

L’homme perfectionne en permanence son outil de travail dans tous les domaines. De temps à autre, il trouve une solution tellement novatrice qu’elle aboutit sur un outil nouveau. Sampo, dont le but est de changer les sons, est un outil destiné aux musiciens de tous horizons. Son développement a commencé il y a deux décennies et, avec l'évolution incessante de la technologie, il a connu de nombreux changements et améliorations.

Sampo est un instrument innovant de XXIe siècle dont le but est d'augmenter les sonorités de tout instrument acoustique. Cet instrument connecté est un concentré de technologie enchâssé dans une boite en bois, décorée à l'ancienne et fabriqué à la main à Saint-Etienne. Un objet designé pour élargir le champ sonore et libérer la créativité musicale.

L’exposition est un parcours de l’évolution de Sampo depuis la première idée et le prototype unique créé en 1997 jusqu’à la fabrication actuelle à Saint-Etienne.

Cette exposition a été réalisée initialement en collaboration avec les Ateliers Rue Raisin pour le Off du Biennale de Design 2017.

Saint-Etienne – mai 2019

Faux souvenir ou souvenir refoulé ? Juxtaposition de perception et de souvenir ? Signe de vie antérieure, illusion ou anomalie temporelle ? L’éternel retour du même ? La sensation du déjà-vu intrigue autant artistes, philosophes que scientifiques.

Dans le cadre des Journées Art & Science, Musinfo propose aux compositeurs et artistes du monde entier de participer à l'appel pour une œuvre sonore ou multimédia.

Nous consacrons cette édition 2019 de l'appel à l'œuvre au phénomène du déjà-vu.

Lire la suite : 6ème appel à l’œuvre pour les compositeurs et les artistes multimédia

 Résultats du Concours / Résidence Sampo

Le jury international a choisi deux lauréats du concours / résidence Sampo :

Jean-François Charles (France / Etats-Unis)	Hongshuo Fan (Chine)

Lire la suite : 6ème Concours / Résidence Sampo

Michael Choi (Etats-Unis)

Né à Urbana-Champaign, Illinois, Michael W. Choi est un compositeur, chef d’orchestre et réalisateur américano-coréen spécialisé en musique pour film, pour animation, pour jeux et pour nouveaux médias. Il est actuellement basé à Los Angeles, où il compose de la musique pour film, animation et d’autres arts médiatiques. Il a obtenu son Master en Musique pour film, télévision et jeux vidéo du Campus Valencia de Berklee College of Music. De même, il a suivi des cours au SAIC (l’école de l’institut des arts à Chicago) où il a eu sa licence en beaux-arts en 2014 et où il étudiait le cinéma, la vidéo, les nouveaux médias, le son et les beaux-arts.

One Second in the Light

« La vérité n’est pas toujours une lumière éblouissante. Parfois c’est une obscurité profonde et fulgurante, qui éclaire – et brûle – avec la même certitude. »
Albert Einstein

Le temps est une invention de l’être humain qui définit le phénomène naturel des cycles répétitifs. La nature possède les paramètres requis qui ont aidé les humains à représenter le temps, mais le temps en tant que tel n’existe pas.

Cette musique dessine le portrait de grands scientifiques dans le grand schéma de leurs théories sur le temps. En n’utilisant que quelques instruments sélectionnés tels que cordes, piano, et synthétiseurs arpégés, la musique met en scène un ton suspendu et une sensation du temps à l’aide du timbre et des techniques avancées spécifiques des instruments qui jouent l’impulsion d’une seconde, donnant une inspiration musicale passive mais immersive du temps.

Omar Del Real (Etats-Unis)  

Né à Zecateras au Mexique, le compositeur Omar Del Real trouve de nouveaux sons dans tout et dans rien. Del Real a étudié la guitare et la théorie musicale avec Rafael Hernandez Hidalgo. Omar poursuit ses études en se focalisant sur la composition algorithmique et multimédia. Actuellement étudiant au programme de composition CSUN sous la direction du compositeur spectraliste Liviu Marinescu, Del Real essaye de pousser les limites du timbre avec la microtonalité et l’électronique. Les compositions d’Omar ont été jouées à Los Angeles, à Zacatecas Mexique et à Monterrey Mexique.

Palindrom (Entropy means nothing to me)

Une composition qui tente de défaire les chaînes de la physique en évitant de se contraindre à la flèche du temps. Inspiré par des rythmes non-retrogradables de Messiaen, cette composition essaie de créer un véritable palindrome sonore qui sonne pareil qu’on le joue dans un sens ou dans l’autre. Dans une performance live, les percussions seraient jouées contre un enregistrement d’elles-mêmes qui joue la même chose à l’envers la deuxième et la troisième fois. !A AIA A ! avec un miroir au milieu.

Sergio Gurrola (Mexique)  

Compositeur et artiste sonore. Ses oeuvres se situent sur la frontière entre musique et bruit, témoignage et poésie. Les pièces de Sergio emploient une exploration esthétique mais aussi un questionnement éthique : le lien entre l’art et le monde. La pièce la plus récente de Sergio a comme axe central la voix humaine en signe de résistance.
Le projet « Vivirvive » comprend une série d’oeuvres basées sur de témoignages d’êtres marginaux : artistes oubliés, enfants emprisonnés... Les pièces explorent la microtonalité. Elles ont été composées pour, interprétés et enregistrés avec les instruments inventés par le compositeur mexicain Julián Carrillo (1875-1965), créateur de Sound 13.
Le projet « San Clemente » constitue également la bande sonore du film « El Premio ». « San Clemente » a été joué au Nuremberg International Film Festival, au New Horizons International Film Festival à Wroclaw Pologne, Radio France et la radio Cinesecuencias au Mexique.

The runner without a trace

La civilisation ancienne des rarámuri, mystérieuse et attentive quant à ses traditions. Les ermites vivent dans des ravins et des canyons dans l’une des parties les plus hautes de la chaîne montagneuse de Sierra Madre au Mexique. « Des hommes aux pieds ailés ». Leur rituel le plus important consiste à courir pendant des jours avec peu de nourriture. La notion de temporalité et de course à travers la complexité du monde qui nous entoure sur nos propres pieds, est une vision du monde qui les accompagne depuis des milliers d’années. Cette pièce est le portrait mouvant de Silvino Cubescare, un coureur assez expérimenté pour tracer de nouveaux chemins sur ses propres pieds.
Malgré les massacres et l’oubli brutal, Silvino réapparait avec un pas fort lors de courses pour aider les siens.
Les rarámuri savent que l’utopie se situe sur l’horizon inatteignable et sert à rester en mouvement constant. Le rythme est à mi-parcours du silence, et la conscience est la conjonction d’un stimulus énigmatique.

Tim Howle (Royaume-Uni)  

Tim Howle est professeur en musique à l’Université de Kent. Il a également travaillé aux universités de Hull et d’Oxford Brookes. Il a étudié la musique à l’université de Keele avec Roger Marsh et Mika Vaughan, obtenant un doctorat en composition en 1999. Son oeuvre se centre autour de la musique électronique, comprenant des oeuvres pour sons fixés, mais aussi pour interprète et live-electronic ainsi que des pièces audiovisuelles. Son oeuvre a été joué à travers les Etats-Unis, l’Asie et l’Europe.

False Memory of Normandy

Cette oeuvre est basée sur un poème de J. M. Fox. Un homme, dans le présent, se rappelle avoir joué comme enfant sur un aire de jeux dans les années 1960 en s’imaginant que c’était le D-Day en 1944. Dans le présent, les souvenirs d’enfance et d’âge adulte s’entremêlent. La musique acousmatique traite du temps d’une manière analogue en mêlant du matériel périodique et apériodique par dessus une pulsation qui change tout au long de la pièce pour rappeler le passé altéré. Certains sons ont été enregistrés récemment, d’autres il y a 30 ans, afin de soutenir l’approche perçue d’état altéré. Il s’agit d’une tentative d’étendre la notion d’écoute réduite en, dans notre cas, maximisant la dislocation dans le temps.

Filipe Leitao (Etats-Unis) 

Professionnel primé, innovant, hautement technique avec plus de 10 ans d’expérience en création musicale, Filipe Leitao est un compositeur, producteur musical et orchestrateur né au Brésil et basé à Tuscaloosa, Alabama. Les oeuvres de Filipe reflètent sa voix unique qui prend son origine dans un mélange de musique classique, populaire, brésilien et de film.
Filipe détient un master en production musicale et design sonore pour médias visuels de l’université Academy of Art (San Fransisco, Californie). Actuellement Filipe prépare un doctorat en composition musicale à l’Université d’Alabama.

Time Goes By

Une oeuvre de paysage sonore minimaliste et atmosphérique avec piano et divers échantillons du tic-tac d’un horloge, évoquant le passage du temps.

Andres Lewin-Richter (Espagne)

(Espagne, 1937). Assistant d’enseignement au Columbia Princeton Electronic Music Center (1962-1965), travaillant avec V. Ussachevsky, M. Davidovsky et E. Varèse. Co-fondateur et directeur du Phonos Electronic Music Studio à Barcelone depuis 1974, à présent membre du Music Technology Group de l’Université Pompeu Fabra, Barcelone (président Xavier Serra), organisateur de l’ICMC 2005 et du SMC 2010.

Time Machine with Voices

Toute pièce musicale est une partition du temps, les sons parcourent le temps. Dans le cas présent, j’ai décidé d’utiliser des motifs rythmiques strictes avec des échantillons de voix, après avoir expérimenté avec de nombreux enregistrements produits dans notre studio d’enregistrement, rélévant des passages éphémères et choralisant des fragments de voix isolés, puisque les échantillons de choral sont devenus impossibles à traiter du fait d’une dispersion de fréquence.

Clovis McEvoy (Auckland)  

Clovis McEvoy est un compositeur, conférencier et ingénieur sonore de 30 ans basé à Auckland. Actuellement Clovis enseigne à l’école de musique de l’Université d’Auckland dans le domaine des arts sonores et de production musicale. Clovis a travaillé avec et a reçu des commandes pour des membres de l’orchestre philharmonique d’Auckland, et il a écrit des bandes sonores pour des courts-métrages, des documentaires et le théâtre. Les oeuvres de Clovis ont été jouées à Seoul, en Corée du Sud et à Leuk, Suisse. Clovis a reçu l’APRA-AMCOS Professional Development Award en composition contemporaine en 2017.

A Study In Virtual Reality Music

Cette oeuvre est conçue pour être visionnée sur des systèmes de réalité virtuelle tels que le HTC Vive ou l’Oculus Rift – toutefois elle peut être visualisée sur des écrans 2D traditionnels sous forme d’étude.

Paolo Pastorino (Italie)  

Paolo Pastorino (1983) est un guitariste et compositeur italien.
Depuis 2006, il commence à travailler comme ingénieur du son pour certains groupes Rock, de musique industrielle et de Nu-metal. Il a étudié et a obtenu son diplôme en informatique musicale et technologie sonore au Conservatoire de Sassari (2015). Actuellement, il est spécialisé dans les nouvelles technologies de la musique au Conservatoire de Cagliari. Dans ses œuvres, il utilise des instruments électroniques et des algorithmes réalisés par un logiciel, ainsi que des instruments traditionnels électroniques et d'autres éléments concrets qui existent dans la nature. Ses compositions ont été jouées en Europe (Italie, France, Espagne, Allemagne, Royaume-Uni) et à l’international (États-Unis, Argentine, Japon, Mexique).

Velocità limite

Cette oeuvre est issue d’une série de réflexions : La principale concerne la vitesse en lien avec le temps et la perception de celui-ci ; la seconde concerne la quantité d’informations auxquelles nous sommes exposés à chaque instant de nos vies et de nos activités humaines. Moins de temps, plus de vitesse.
Le problème est clairement centré sur une très étroite dimension temporelle (des années 1980 à nos jours) qui comporte des changements technologiques et, en conséquence, socialement très importants. La voie suivie par les sociétés occidentales, de l’époque préindustrielle à l’époque postindustrielle, semble être caractérisée non par une ligne droite mais par une courbe en forte accélération.
La vitesse et le temps sont des paramètres centraux dans notre quotidien, mais nous devons prendre en compte les dommages que ces deux peuvent causer à notre conscience. Notre équilibre interne est en péril lorsque l’humanité court vers le futur atteignant une vitesse limite à laquelle nous avons du mal à nous adapter ; ceci laisse moins de temps pour des processus importants comme l’attention critique et la réflexion.

QUOD (Espagne)  

Quod est un groupe de musique pour vidéo et art de vidéo né en 2016 et intégré par l’artiste Inés Uribe (Bilbao, Pays basque, Espagne) et le compositeur Miguel Matamoro (Vigo, Galicie, Espagne).
Ces deux artistes ont participé à de nombreux festivals, cycles ou espaces tels que : MARCO (Musée d’art contemporain, Vigo, Espagne), CGAC (Saint-Jacques de Compostelle, Espagne), BBVA FOUNDATION (Bilbao, Espagne), Cibeles center (Madrid, Espagne), Kursaal (Saint-Sébastien, Espagne), FMEC (Cadiz, Espagne), Sinkro Festival (Vitoria, Espagne), Université de Houston (Etats-Unis), Schola Cantorum (Paris, France), Photomuseum (Zarautz, Espagne) ou White Lab Galery (Madrid, Espagne), Festival PUNTO DE ENCUENTRO (Granada, Espagne), Bernaola Festival (Vitoria, Espagne), ArteAbierto (Casa Decor, Madrid, Espagne) Festival Gaztapiles (Madrid, Espagne), ASPA Contemporary (Madrid, Espagne) et bien d’autres.
Quod a également été sélectionné comme projet pour le BienalSur 2017 (Amérique du Sud).

D E S V E L O

Ce que le moi virtuel fait quand je ne suis pas dans le monde virtuel. Un laps d’inexistence.

Idée – Quod (Inés Uribe et Miguel Matamoro)
Caractère principal – Enrique Díez
Violon – Roberto Alonso.

Berndt Schumann (Allemagne)

Né en 1979 à Chemnitz, Allemagne, vivant actuellement à Göttingen. Etudes en ingénierie du son, composition et musique électroacoustique à Detmold, Brême, Hambourg et Leipzig ; 2004-07 travaillant comme ingénieur du son pour plusieurs studios d’enregistrement, 2007-11 ingénieur du son au Anhaltisches Theater Dessau, depuis 2011 au Deutches Theater Göttingen ; travaille principalement dans le domaine électroacoustique et instrumental, occasionnellement aussi la musique pour théâtre, textes courts et films expérimentaux ; plusieurs prix dont Czech Society of Electroacoustic Music, Innova Musica Competition et Counterpoint Composition Competition. Performances en Europe de l’Est, Russie, Mexique et Etats-Unis.

Planquadrat II

Un court essai cinématographique sur l’absurdité de l’ambition humaine face au temps.

David Snow (Etats-Unis)

Les compositions de David Jason Snow (né 1954) ont été interprétées au concert par l’Ensemble Intercontemporain, La Banda Municipal de Bilbao, the Juilliard Ensemble, et d’autres artistes et ensembles à l’échelle internationale. Sa Das Lied von des Magnetosphäre était l’une de dix ouvres électroacoustiques sélectionnées par MAARBLE, le projet euro-américain de recherche spatiale, comme lauréats de son concours de composition musical « Sons de l’espace ». Snow a également reçu des prix de composition du National Endowment for the Arts, deux bourses du conseil des arts de l’état de Maryland, une bourse de la fondation ASCAP, des prix de composition de BMI et du Musician Magazine et du Keyboard magazine, et il a été artiste en résidence à Yaddo à Saratoga Springs et au Millay Colony for the Arts à Austerlitz, New York. Il détient des diplômes en composition de l’Eastman School of Music et du Yale School of Music.

La relativité pour les nuls

La relativité pour les nuls est une représentation poétique de la dilatation du temps. Les passagers d’un vaisseau spatial en accélération au départ de la Terre sont soumis à un passage du temps plus lent par rapport à ceux sur Terre, l’effet devenant plus radicalement prononcé lorsque le véhicule s’approche de la vitesse de la lumière. L’expérience subjective du passage du temps sera la même pour les deux catégories d’observateurs, mais une horloge à bord du vaisseau spatial sera en retard par rapport à celle sur Terre. La présente composition représente cette disparité temporelle en accélérant les temps et en accumulant la densité des évènements musicaux : pour l’observateur sur Terre, le temps et la densité évènementielle ne changent pas ; quant à celui qui écoute et qui symboliquement joue le rôle du voyageur de l’espace proche de la vitesse de la lumière, le passage du temps sur Terre s’accélère.

Simon Šerc (Slovénie)

Simon Šerc (né 1972) est un artiste sonore et vidéo, ingénieur d'enregistrement, interprète et créateur d'un label. Il a étudié la philosophie et l'informatique, et est actif dans le domaine de musique expérimental depuis 1990. Il a participé à de nombreux festivals avec ses projets audiovisuels : Sound Thought (Ecosse), New Texture (Corée du Sud), Gravity Assist (Etats-Unis.), Black & White (Portugal), Kiblix (Slovénie), Lieblichkeit und Sexualität (Autriche), Art & Music (Croatie), Expo 2000 (Allemagne), Instants Vidéo Numériques et Poétiques (France), Sguardi Sonori (Italie), etc. En tant qu'artiste sonore et vidéo, il a collaboré avec d'autres artistes/collectivités de divers domaines artistiques et il participe aussi activement dans différents projets musicaux (PureH, Cadlag, KSVLKSV etc.) Il est fondateur du label de production Pharmafabrik qui, selon les critiques musicaux, enrichit remarquablement la diversité sonore slovène avec sa méthodologie consistante et clairement définie de l'exploration sonore.

Martina Testen (Slovénie)

Martina Testen est née en 1976 à Postojna, Slovénie. Elle travaille dans les domaines de la communication visuelle et sonore, des paysages sonores (enregistrements de terrain) et de la photographie numérique. Récemment Martina a participé au festival Numérique et Poétique en France, au Videofestival Natures en Slovénie et a présenté sa sculpture sonore au World Listening Project. Elle vit à Nova Gorica.

Before The Time

La prémonition de l’énergie des spores et de la fragilité des géants crée une sensation de faiblesse et une crainte d’être piégé dans des systèmes à plusieurs niveaux. Le fil des évènements manque presque le temps pour donner une impression. La connexion des particules ne se trouve pas interrompue par le danger des solitaires. Quelle est la place de l’homme dans cette séquence caractérisée par la destruction de l’environnement, l’ingénierie génétique et la perception de la vie comme une très courte période ?

Fredy Vallejos (Equateur)

Fredy Vallejos, musicien d'origine colombienne, est diplômé en percussion, musicologie, informatique musicale et composition (Colombie, France, Suisse). Sa préoccupation esthétique, caractérisée par l'exploration d'un univers sonore multiple et hétérogène, est basée sur des travaux de recherche ethnomusicologique formalisés à l'aide des outils de CAO (Composition assistée par Ordinateur) et sur le rapport du son avec d'autres formes d'art. Actuellement il est professeur à l'Ecole d'Arts Sonores de l'Université des Arts de l'Equateur.

Relative Patterns 4

« Si rien n'a précédé la répétition, si aucun présent n'a surveillé la trace, si, d'une certaine manière, c'est le « vide qui se recreuse et se marque d'empreintes », alors le temps de l'écriture ne suit plus la ligne des présents modifiés. L'avenir n'est pas un présent futur, hier n'est pas un présent passé »
J. Derrida : L’Écriture et la différence

La série Relative Patterns est le fruit d’une analyse rythmique de musique traditionnelle d’origine orale afro-colombienne. Le matériel est utilisé pour construire un mécanisme qui a pour origine l’opposition de timbres contrastés qui évoluent et atteignent une polyrythmie complexe – entièrement calculé à l’aide d’Open Music – de même qu’une transformation presque imperceptible des durées dont cette polyrythmie se compose. Le résultat suit un processus de vague périodicité au moyen de polyrythmies complexes qui demeurent toujours en mouvement.

David Ventura (Portugal)

Cizus est un label visuel axé sur lumière, vidéo et oeuvres sonores, avec le but de stimuler et d’influencer la perception humaine, ouvrant de nouvelles approches à l’univers d’illusions optiques et sensorielles.

.hexakai

Installation / performance audiovisuelle

La relation entre l’espace et le temps, et sa déconstruction, pour créer des formes volumétriques de lumière et des motifs consécutifs.
Un écosystème de lumière qui excède la perception humaine, nous donnant une perspective composée de plusieurs dimensions.
Inspiré du système gravitationnel qui nous entoure, à travers la science, la physique, comme une entité géométrique unie.

Vortichez (Royaume-Uni)

La compositrice de musique électroacoustique Vortichez vient du Royaume-Uni et a vécu dans plusieurs pays de l’Europe, de l’Asie et de l’Afrique ces 8 dernières années. Elle a participé au Rarescale Electroacoustic Composition Course avec Michael Oliva, et au cours Stockhausen Kürten en projection sonore. Sa pièce Hatshepsut’s Harem pour installation octophonique a été créée au BEAST FEaST en avril 2018 au Elgar Concert Hall. Elle compte ouvrir une salle de spectacle au Brésil l’année prochaine.

Want Water

La partie électronique de cette pièce se compose entièrement de sons transformés d’arbres assoiffés, tels qu’ils sont enregistrés à l’aide de capteurs acoustiques hautement sensibles et partagés généreusement par le physicien Alex Ponomarenko. Lors de sécheresses, les arbres émettent des brefs « clicks » en ultrason, dont l’origine n’est pas clair mais qui, selon les découvertes d’Alex, sont liés à l’apparition de bulles. Ces petits clicks ont été rallongés par la compositrice afin de refléter l’échelle de temps plus lent des arbres. Quand nous communiquons avec les arbres, leur soif peut nous être traduite. En effet, les scientifiques peuvent utiliser ces découvertes pour préparer les arbres affaiblis à de longues périodes de sécheresse, amenées par le changement climatique.

Kay Abaño (Philippines / Espagne)

Cinéaste ayant étudié la communication visuelle à l'Unversité des Philippines et la cinématographie à l'Escuela TAI en Espagne. Elle a travaillé comme décoratrice et créatrice de costumes pour l'industrie du grand et du petit écran pendant 12 ans et a reçu le prix Academy Award pour le meilleur décor pour son travail dans le film "Markova: Comfort Gay" (2000). Avec ses oeuvres, elle parle de gens, de l'espace qu'ils habitent ainsi que des thèmatiques plus vastes du mouvement et du changement.

Maria Ponce (Mexique)

Artiste sonore, productrice à l aradio et organisatrice d'évènements, avec un master en arts sonores de la Queen’s University Belfast et un diplôme en communication audiovisuelle de l'Universidad del Claustro de Sor Juana en Mexique. Elle a travaillé pendant 15 ans à diverses stations radio en Mexique et sur la producion de podcasts pour la London School of Economics au Royaume-Uni et le podcast Empire of Dreams à Berlin. Avec son travail à la radio, elle a obtenu des mentions d'honneur au Festival international du film contemporain de Mexico City et au 6e Biennale international de la radio.

Notes Across Time

UNE CONVERSATION entre 2 parcours qui se sont involontairement croisés - celui de Kay Abaño (cinéaste philippin) et celui de Jose Rizal (héros national Philippin). Lorsque Kay a émigré en Europe, elle s'est intéressée à l'histoire de son propre pays. En approfondissant les apprentissages scolaires, elle a découvert que l'homme considéré comme le « Premier Philippin » avait suivi le même parcours et vécu dans les mêmes villes. Le roman de Rizal « Noli Me Tangere », qui a inspiré la révolution philippine contre l'Espagne en 1896, a été achevé et publié à Berlin, où réside actuellement Kay. Mais ses choix en tant qu'artiste-migrante étaient-ils les siens ou de simples prémonitions d'un avenir déjà écrit ? On dit que chaque particule de notre corps sait que l'intégralité du temps coexiste - l'avenir est le présent autant que le présent est le passé. Aurait-elle alors pu s'inspirer des décisions d'un passé qui est toujours présent parmi nous ?

UNE COLLABORATION qui est née de nos réflexions sur notre propre migration, inspirée par nos expériences en traversant l'espace et le temps.

Francesco Bossi (Italie)  

Francesco Bossi est un compositeur et concepteur sonore dont l’œuvre comprend la musique acoustique et électroacoustique, et les installations vidéo et multimédia. Il est titulaire d’un diplôme en musique électronique du Conservatorio di Milano avec mention très bien. Sa recherche se concentre actuellement sur la production de synthétiseurs algorithmiques personnalisés. Son aspiration est de partager de la musique contemporaine au-delà des auditoires universitaires. Ses œuvres sont jouées par des orchestres et sélectionnés par des festivals et des concerts internationaux. Il a obtenu le premier prix du concours "The Sounds of Music" (Villa Arconati Milan, 2012). Récemment il a été invité à Naples (2012), Florence (2014 et 2016), Padua, Venise (2014), New York (2014, 2015, 2016 et 2017), Denton (Etats-Unis) - ICMC (2015), Singapour (2015), Valence (2015), Statesboro Etats-Unis (2016), Bourges (2016), Sao Paulo (2016), Matera (2016), St. Cloud, Etats-Unis (2017), Livorno (2017), Como (2017), Seul (2017), Chypre (2018), New York City (NYCEMF 2018), Daegu (ICMC 2018), Firenze (“Diffrazioni) mars 2019).

Bâtons intérieurs minimaux

L'intérêt croissant des compositeurs électroacoustiques pour l'audiovisuel a donné naissance à une forme d'expression particulière, dans laquelle les cadres et la musique semblent être unis dans un langage commun.
En accord avec le thème du Déjà-vu, il s'agit d'une œuvre dans laquelle vous pouvez trouver un peu de mon histoire intime : un nombre variable de bâtons qui réagissent aux vibrations (comme le jeu Mikado), et un riff de piano qui ressemble à ce que vous avez peut-être déjà entendu (The inner mounting flame du Mahavishnu Orchestra, pour être précis).

L'idée fondamentale est représentée par l'évolution artistique de l'oscilloscope. Le principe est que pratiquement aucun son est sans lien avec sa visualisation. La perception du son dépend de notre visualisation, alors le temps est toujours relatif. L'expérience que nous en avons est plus courte que l'effet lui-même.

Cristian Fierbinteanu (Roumanie)  

Cristian Fierbinteanu est un artiste indépendant, membre du duo de musique diplomate-artpop Fierbinteanu. Actif à Bucarest/Roumanie, Fierbinteanu s'est produit sur plusieurs scènes européennes importantes, dont Berlin Konzerthaus, et a sorti des disques par Local Records et Music Boy (labels indépendants). Leur travail a été présenté lors de festivals internationaux d'art, de performances, de musique et de film contemporain, Fierbinteanu étant lauréat de multiples prix de "la meuilleure" vidéo et musique.

Adore

Cette pièce est une tentative de hipgnosis plaisante à l'écoute. Il s'agit d'une des méthodes utilisées pour reproduire expérimentalement la sensation de Déjà-vu.

Les explications mémorielles des phénomènes pourraient être testées dans des conditions expérimentales bien contrôlées, évoquées par l'esthétique septique des sons utilisés.

Konrad Handschuh (Pologne)  

Konrad Handschuh (né en 1996) est un jeune compositeur polonais qui se spécialise dans la musique contemporaine. Il a développé sa passion pour la musique contemporaine et la composition à l'Académie de musique de Poznan. Pendant ses études il a été qualifié pour le Paderewski Chamber Choir et en tant que membre de cet ensemble il a interprété du répertoire contemporain et a eu du succès dans des concours prestigieux en Europe. Il était co-auteur du programme radio “New-serious” sur la musique contemporaine. En 2017 il a commencé ses études en composition électroacoustique dans la classe de Rafał Zapała. A présent il se concentre sur la composition, le design sonore et le travail en studio. Son travail actuel consiste dans le développement de nouvelles manières de produire du son, l'utilisation de live-electronic, le développement de ses propores instruments, la réalisation d'installations sonores et une expérimentation dans l'art vidéo.

Discobolus

DISCOBOLUS est une présentation audiovisuelle d'un athlète. Le choix du discobole n'est pas une coïncidence. Chaque son est produit par de petits disques rotatifs électriques. Le seul instrument utilisé dans cette pièce était un piano droit dont le mécanisme a été enlevé. Le disque rotatif provoque la vibration des cordes.

Le compositeur a voulu développer l'idée et a réalisé une animation au ralenti du discobole. Un processus lent consistant à forcer une corde spécifique à vibrer correspond à chaque détail imperceptible du corps en mouvement.

Au lieu de la partition, il y avait une chronologie des mouvements des muscles - très précise, pratiquée de façon répétée.

Le message de la pièce est clair : peu importe que vous soyez un artiste ou un athlète, chaque fois que vous vous entraînez, chaque fois que vous jouez, vous expérimentez le déjà-vu. Mais cette fois-ci, vous avez l'occasion de l'observer de près.

Panayotis Kokoras (Etats-Unis) 

Kokoras est un compositeur primé internationalement et un innovateur dans le domaine de l'informatique musicale. Actuellement il travaille comme professeur assistant de composition et directeur du CEMI (Center for Experimental Music and Intermedia) à l'University of North Texas. Né en Grèce, il a étudié la guitare classique et la composition à Athènes, Grèce et York, Angleterre ; Il a enseigné de nombreuses années à l'Université d'Aristote à Thessalonique. Les compositions sonores de Kokoras utilisent le son comme seule unité structurale. Son concept de "texture musicale holophonique" décrit son objectif que chaque son idépendant (phonos) contribue de manière égale à la synthèse de la totalité (holos). Dans son écriture instrumentale aussi bien qu'électroacoustique, sa musique appelle à une "virtuosité du son", une écriture hyper-idiomatique qui souligne la production précise de possibilités sonores variables et la distinction correcte entre un timbre et un autre afin de transmettre les idées et la structure musicale de la pièce.

Mnemonic Generator

Mnemonic Generator pour sons électroacoustiques a été composée durant l'été 2011. La pièce crée un paysage sonore surréaliste d'un ancien site de construction. Comme une machine à remonter le temps, le paysage sonore tribal évolue lentement vers un lourd délire industriel. La réalité est amplifiée et le son de concret se transforme en un objet sonore abstrait. Des rythmes complexes introduisent des paysages sonores archaïques avec des gestes puissants. Les conditions écologiques déterminent la structure de composition et deviennent des ressources pour le développement ultérieur.

Richard Pressley (Etats-Unis)

Richard Pressley a eu le plaisir de voir sa musique jouée aux Etats-Unis, en Europe, même au Brésil et en Australie. Il a débuté sa carrière musicale dans la musique rock dans son adolescence, jouant et faisant des tournées avec des groupe sde rock et de punk. Puis il a fréquenté les universités de Butler, de Cambridge et de Minnesota (doctorat) ; avec des études post-doctorales à la Karlsruhe Musikhochschule at à Darmstadt en Allemagne. Parmi ses professeurs de composition on trouve Wolfgang Rihm, Sandeep Bhagwati, Dominick Argento, Judith Lang Zaimont, Alex Lubet, Daniel Chua et Michael Schelle. Il vit à Charleston, Caroline du Sud où il est professeur assistant de la théorie musicale à la Charleston Southern University.

"...ailes sans plume"

La mémoire réorganise, elle n'est pas chronologique et suit ses propres règles temporelles. Elle change nos impressions du passé - et nous affecte à notre tour. Elle distord, brouille, omet, juxtapose, exagère, altère, faiblit et est infidèle. Elle est éphémère - une alchimie. Cette pièce rappelle cinq de mes oeuvres (acoustiques et électroniques) des huit dernières années - ou le fait-elle ?

Ruud Roelofsen (Etats-Unis)  

Ruud Roelofsen, *16-11-1985 Rhenen (Pays-Bas), a étudié les percussions à Arnhem (Pays-Bas), Münster (Allemagne) et Bruxelles (Belgique). Il a suivi des masterclasses en composition avec Dmitri Kourliandski, Martijn Padding, Richard Ayres, Carola Bauckholt, Hanna Hartman, Ted Hearne, Tristan Murail, Mark André et Hèctor Parra. Depuis l'automne 2018 il est doctorant en composition musicale à l'école de musique de Bienen de la Northwestern University, om il étudie avec Jay Alan Yim, Hans Thomalla, Alex Mincek et Chris Mercer.

On intimacy II

"On intimacy" est une série de pièces dans lesquelles j'explore l'univers sonore du ASMR, quelque chose à quoi je suis moi-même très sensible.

Dimitrios Savva (Chypres)  

Dimitrios Savva est né en Chypres, 1987. Il a obtenu sa licence (avec mention) en composition musicale de l'Ionian University de Corfu et son master (avec mention) en composition électroacoustique de l'Université de Manchester. En janvier 2015 il a commencé ses études docorales avec une bourse à l'Université de Sheffield sous la direction d'Adrian Moore et d'Adam Stanovic. Ses compositions ont été jouées en Grèce, en Chypre, au Royaume-Uni, en Allemagne, en Italie, en Belgique, en France, au Mexique, au Chili, au Brésil et aux Etats-Unis. Sa composition acousmatique Erevos a gagné le premier prix ex aequo dans la catégorie des étudiants au concours de composition acousmatique Metamorphoses 2012 et sa composition Balloon Theories a reçu la bourse de résidence Franz List et le prix du public au concours de composition Metamorphoses 2014.

Stous Theous

Stous Theous (Pour les Dieux) est un voyage qui naît d'une prière, d'un appel au Dieu. Momentanément, la prière s'ouvre pour le dévot qui prie une dimension cosmique supérieure. Dans cette dimension, le dévot fait l'expérience d'un déjà vu de lui-même avant de devenir humain, alors qu'il faisait partie du cosmos, de son Dieu qui l’appelle.

Emilio Adasme (Chili)

Une licence en musique à l’Université Catholique de Chili avec une double maîtrise en composition et musicologie. Il est un membre actif de la Communauté électroacoustique du Chili (CECH), producteur du festival international de musique électroacoustique AI MAAKO et producteur du Café con Cables : foire des arts électroniques à Santiago. Ses oeuvres s’étendent de l’électroacoustique, au classique moderne et au bruit. Il est aussi un membre actif de la compagnie de théâtre composé « Oído Medio ». Il a participé à de nombreux festivals au Chili, en Argentine, aux USA, en Belgique, Autriche, Royaume-Uni, Espagne et Taiwan. Actuellement il travaille pour les archives de l’Orchestre de Chambre National du Chili.

Mini-rage

Cette miniature est une représentation du processus de perception de mirages. Trois moments sont dépeints : la perception d’un élément inhabituel sur le sol, l’illusion d’eau et sa disparition soudaine. Cette miniature a été composé spécialement pour cette occasion.

Erich Barganier (Canada)  

Erich Barganier (né 1991) est un compositeur et multi-instrumentiste originaire de St Petersbourg, Floride, qui réside actuellement entre New York et Montréal. Il écrit de la musique pour chambre, orchestre, film, instrument solo et électronique, qui explore la microtonalité, les techniques avancées, l’improvisation, les processus de création, la perception du bruit et les nouvelles formes de notation.

Data Morgana

Dans la nature, le Fata Morgana est une forme complexe de mirage supérieur qui distord considérablement le ou les objets sur lesquels il est basé, dans bien des cas à tel point que l’objet reflété est totalement méconnaissable. Souvent le Fata Morgana change rapidement, en étant composé de plusieurs images inversées et empilées les unes sur les autres. Dans la pièce Data Morgana, je me suis inspiré de ce phénomène et j’ai construit une oeuvre audiovisuelle dans laquelle une série de vidéos se distord et fond ensemble grâce à la déformation de données et la détérioration du code vidéo. Ceci crée un effet similaire au Fata Morgana d’un objet en constante évolution qui semble à la fois familier et déformé. J’ai combiné les visuels avec une piste musicale algorithmique réalisée dans Supercollider et qui tente d’accomplir le même effet au niveau auditif. Des sons familiers sont déformés par des processus mathématiques pour devenir méconnaissables, puis soudainement redevenir familiers.

Jules Bryant (Royaume-Uni)  

Jules Bryant est un artiste sonore qui travaille avec une variété d’instruments et de sources sonores. Une grande partie de son oeuvre comporte un élément visuel qui est combiné au son, donnant lieu à une oeuvre artistique à part entière. Il travaille avec divers médias, dont la photographie et la vidéo, et parfois il utilise des emplacements visuels particuliers comme stimulus visuel à son art. Son oeuvre sonore pourrait être décrit comme minimaliste, employant des structures et effets simples pour faire ressortir ou dévoiler des aspects intéressants. Ses pièces utilisent la qualité des sons d’instruments, et comme compositeur il cherche à les encadrer de manière appropriée pour les présenter au public.

Aural Refraction

Un mirage est un effet visuel causé par la variation de la lumière réfractée dans des couches d’air de différentes températures. Ce phénomène a été interprété dans un sens auditif à travers l’inversion d’un clip audio et le mixage en parallèle de ce clip avec l’original. Le résultat donne une pièce qui a l’air de scintiller alors que les notes jouent les unes contre les autres.

Nathan Corder (Etats-Unis)  

Basé à Oakland, Nathan Corder est un compositeur d’oeuvres électroniques, d’objets et de variété de personnes. Son oeuvre se focalise fortement sur le développement de propriétés et structures émergeantes développés avec des processus de feedback, interfaces physiques et stratégies improvisationnelles. La recherche de Corder a récemment abouti à la publication de « Determining Conditions: Towards an Aesthetic of Emergence in Electronic Music ». Actif en tant que compositeur et improvisateur sur électronique sur mesure et guitare, Corder a collaboré avec des artistes tels que Roscoe Mitchell, Jaap Blonk, Tatsuya Nakatani, William Winant, Jack Wright et Barbara Golden. Sa discographie comprend des sorties chez Cleanfeed, Flaming Pines, Amalgam, SEAMUS Records, Noise Pelican, et Coup Sur Coup. Il est membre actif des groupes TONED, monopiece, Jitters et Nude Tayne. Nathan poursuit un doctorat en composition à UC Berkeley.

Sine Study (when the ear is coupled to the eye by a tongue that moves the body)

Un transducteur / transmetteur fixé à l’arrière d’un miroir envoie une onde sinusoïdale (de 0-20 Hz) à travers le miroir, altérant l’image est la stabilité physique du miroir. Le miroir incorpore les deux sources sonore et visuelle, faisant fondre ces deux modes d’expression en un objet unique.
*Cette séquence a été capturée avec une caméra fixe, placée devant le miroir.

Zuriñe F. Gerenabarrena (Espagne)  

Zuriñe F. Gerenabarrena a étudié la composition avec C. Bernaola et Franco Donatoni. Forums internationaux : Contemporary Music FBBV, Quincena Musical, SINKRO, Bernaola Festival, PHONOS, Festival Synthèse, BKA Theater. Pyramidale, Sonoimágenes, Visiones Sonoras, EMU Festival, Elektrophonie, Wealr 09 Fullerton, Musica Viva, Borealis, Musiques & Recherches, eviMus, “Down the Dori” (TWSTokyo), EAM Festen Frost, 7º Musica Electric Nova, MUSLAB, NYCEMF 2017, BIFEM 2017, Noh X Contemporary Music, SICMF 2018 (Seoul), Matera/Intermedia 2018 (Prix Acousmatic), Musica Nova 2018 (Mention honoraire), San Francisco Tape Music , Mise-En Music Festival 2019, (ICMC/NYCEM 2019 (NY), Atemporánea Festival, Helicotrema Festival, Ecos Urbanos (2019)… Plusieurs CDs. Artiste en résidence : LEC (Lisbonne), USF. Bergen (Norvège), VICC, (Suède), Tokyo Wonder Site (Japon), Shiro Oni (Japon), ZHdk, ICST (Zurich), EMS (Stockholm), NOTAM (Oslo). Professeur de contrepoint et d’harmonie à MUSIKENE. www.zfgerenabarrena.com

BihotzBi

Le titre “BihotzBi” est formé de l’union de deux mots de la langue basque, Coeur et Deux (Bihotz-Bi), et à son tour le mot Bihotz contient les mots Deux-Voix (Bi-Hotz). Dans notre cas, cette oeuvre fait référence aux sons de l’enfance et aux sons proches, collectés dans le cadre de l’apprentissage dans la transition de la vie.
Le mot est traité comme une illusion construite sur la réalité de l’objet sonore, l’alphabet comme un rêve d’enfance lié à l’utopie de vouloir retrouver cet état.
Une superposition de couches, une extension de souvenirs phonographiques qui oscillent dans les hurlements des secondes, couvrant les 4 pièces dans lesquelles la vie se réveille tous les jours.

Konrad Handschuh (Pologne)  

Konrad Handschuh(composition/vidéo/son) est un jeune compositeur Polonais spécialisé dans la musique contemporaine. Il a développé sa passion pour la musique contemporaine et la composition à l’Académie de musique de Poznan. Il était co-auteur et hôte du programme radio « New-serious » dédié à la musique contemporaine. En 2017, il a commencé à étudier la composition électroacoustique dans la classe de Rafał Zapała. Actuellement il travaille sur le développement de nouveaux moyens de produire du son, l’utilisation de traitements en temps réel, la réalisation d’installations sonores et la création d’art vidéo

Aleksandra Olkiewicz (Pologne)  

Aleksandra Olkiewicz (chorégraphie/lumières)
est une jeune chorégraphe et danseuse. Elle a obtenu son Master en Eurythmie à l’Académie de musique de Poznan. Pendant ses études, elle a participé dans de nombreuses chorégraphies et s’est produite à de nombreuses conférences sur l’eurythmie en Pologne (dernièrement la 4e Conférence International des études de Dalcorze à Katowice, 2019). La chorégraphie pour T.O.U.S.E.F.O.O.L. était créée pour son diplôme de master.

T.O.U.S.E.F.O.O.L.

T.O.U.S.E.F.O.O.L. pose une question. Qui êtes-vous dans la chaîne de la technologie ? Un outil ? Un utilisateur ? Ou peut-être juste un bouffon ? La question en soi n’est pas lle bout du problème, puisque nous vivons dans un monde où les frontières entre ces liens sont très difficiles à déterminer. Même le monde (ou les mondes) semble se réfracter.

Le compositeur emploie l’alphabet phonétique de l’OTAN pour créer des schémas rythmiques. La parole enregistrée a été soumis à une analyse spectrale qui donne la base pour la création de thèmes mélodiques.

T.O.U.S.E.F.O.O.L. peut facilement représenter la confusion qui accompagne un mirage. Le sens des images et du son vient d’ondes. Certaines sont tordues, certaines ont des significations différentes. Sans le code il est impossible de déchiffrer les mots. Sans un large contexte, vous ne pouvez pas vous définir vous-même. Peut-être que vous êtes en contrôle, que vous êtes l’utilisateur. Peut-être que vous pensez avoir le contrôle, mais vous n’êtes qu’un outil dans la main de quelqu’un. Une chose est certaine. Chaque fois que vous vivez ce genre de mirage, vous verrez (et entendrez) différentes choses et vous serez étonné.

Nicolas Hermansen (Belgique / Espagne) 

Nicolas Hermansen est un artiste multidisciplinaire qui oeuvre dans des domaines de la performance, du son et des arts visuels. Il est fondateur de La [SIC], une compagnie d’art du spectacle vivant. Son travail en tant que soliste comme en tant que membre du La [SIC], a été présenté dans de nombreux pays d’Europe et des Amériques. Il a présenté « And suddenly an engine started » au festival In-Sonora (ES), a collaboré avec Mischa Kuball pour la pièce « Res·o·nant au Musée juif de Berlin (DE), et à l’International Performance Festival 2018 (DE), au Cyprus Buffer Fringe Festival et au Mute Festival (BE) avec sa performance « Après la Chronique ». En 2019 il a présenté « Après la Chronique » au Théâtre Acud, Berlin (DE), Presente/Futuro Festival (IT) (a reçu les prix - Premio Presente Futuro, Critic’s Choice Award et Cobas Award) et Altofest à Naples. Il a aussi participé au File Festival (BR) et son installation sonore ‘D-Days’ a été présentée pendant la Radiophrenia au Centre d’Art Contemporain de Glasgow (UK).

Another Term

« Another Term » utilise le concept d’alias dans son processus compositionnel. Elle utilise la théorie de Nyquist pour développer des alias basés sur un son oscillant principal. Si « in-déséchantillonné », la théorie de Nyquist stipule que dans le processus analogique-numérique/numérique-analogique, des fréquences fantômes vont apparaître parce qu’il n’y a pas suffisamment de points d’échantillonnage pour reproduire correctement la fréquence échantillonnée. Les alias sont comme des mirages, nous pouvons les voir, ou dans le cas présent les entendre, mais ils ne font pas partie de la configuration de départ. Pour composer « Another Term », j’ai utilisé plusieurs méthodes de sous-échantillonnage pour créer un nid de fréquences alias qui à son tour module le ton initial, résultant en une composition sonore en mouvement constant basée sur des fréquences « mirages ».

Brian Mark (Etats-Unis)

Compositeur primé Brian Mark a vu ses oeuvres interprétées par des ensembles tels que les BBC Singers, Atlas Ensemble, Choral Chameleon, Ensemble Signal, Chelsea Symphony, le Ligeti quartet, des membres de l’Orchestre Symphonique de Londres, et au cours de festivals comme Bang on Can, London Contemporary Music Festival, June in Buffalo, et Spitalfields. Il a réalisé des résidences avec Chelsea Symphony, I-Park Artists’ Enclave, et la fondation Ucross. Son oeuvre symphonique The Persistence of Time a reçu la mention d’honneur lors de l’American Prize in Orchestral Composition 2015. De plus, il a été nommé Membre Associé de Composer Soundhub Scheme de l’orchestre symphonique de Londres de 2015-2017, ce qui a abouti dans une performance avec installation vidéo incluant des membres de l’Orchestre. Il a soutenu sa thèse à l’Académie Royale de Musique, étudiant avec Gary Carpenter, et il détient aussi des diplômes du conservatoire de musique de San Fransisco, du Berklee College of Music et de l’Université de Boston.

Frozen in Ecstasy

Frozen in Ecstasy pour piano solo a été écrit pour la fête du 60e anniversaire de David Conte. Conte est directeur de la faculté de composition au conservatoire de musique de San Fransisco, et il avait demandé à vingt-quatre de ses anciens étudiants de choisir une pièce parmi les préludes de Chopin et d’écrire leur propre prélude pour piano. J’ai choisi la Prélude n° 9 en mi majeur, Opus 28. Frozen in Ecstasy prend des extraits de mesures de la prélude de Chopin et les place en arrière-plan, entremêlés par divers techniques improvisées avec la tonalité centrale de mi majeur au premier plan. Ainsi, le titre est une référence à un état d’euphorie hors du temps, traversant des générations de développement musical. Frozen in Ecstasy a été créée à la salle de concert du conservatoire de musique de San Fransisco le 1 novembre 2015, interprétée par Keisuke Nakagoshi. L’installation vidéo a été créée lors de l’événement Ensemble in Process... « Migration in Sounds » à l’Areté Venue & Gallery le 19 janvier 2020.

Giovanni Paris (Italie)  

Compositeur et artiste sonore. Master en musique électronique à l’Université de Rome « Tor Vergata ». Professeur des nouvelles technologies dans la musique de film au conservatoire G. B. Martini à Bologne. Membre du collectif expérimental « E.t.e.r.e. » qui a participé à divers festivals et musées tels que Maxxi Rome, Macro Rome, Artefiera Festival Bologne, Retina Video Art Festival Rome, Doctorclip festival du film poétique Rome. Directeur artistique de la section musique du festival « Shamans of the digital era » qui invite des musiciens expérimentaux tels que My Cat is an Alien. Compositeur en résidence pour la collective pluriartistique « Tropique Noir » (Paris, France) et la compagnie de théâtre Palamente. En tant que compositeur, il a écrit de la musique originale pour film, documentaires, émissions de télé, publicités pour des marques comme Biotherm, L’Oréal, YSL, BNP Paribas, Nokia. Sa musique pour film a été jouée au festival David di Donatello (2015), à la Mostra de Venise (2011) et à Cannes.

Strata (Inferior/Superior)

Strata est une vision musicale de la connaissance scientifique en matière de mirages, comportant différentes techniques de synthèse sonore pour obtenir le résultat sonore et pour représenter musicalement la trajectoire de la lumière à travers des couches d’air froid et dense / chaud et rarifié, imaginé comme des grappes de fréquences. Dans la première partie (Inférieure), comme dans un mirage inférieur, l’air froid/les hautes fréquences en-dessous de la ligne de vue s’entremêle avec l’air chaud raréfié/les basses fréquences, pendant qu’un glissando analogue réinterprète auditivement le passage du rayon de lumière et sa déformation, résultant dans la création d’une réalité apparente.
Dans la deuxième partie (Supérieure), les basses fréquences se mettent en mouvement, interagissant avec les hautes fréquences plus stables et raréfiés, flottant au-dessus de la ligne de vue comme dans un mirage supérieur.
L’utilisation de textures longues projette l’observateur dans l’apparition de l’invisible, alors que des gongs métalliques rappellent l’instant de l’entrée/de la sortie d’un rituel d’altération de l’état de la conscience.

Dimitris Savva (Chypres)  

Dimitris Savva est né en Chypres, 1987. Il a obtenu sa licence (avec mention) en composition musicale de l'Ionian University de Corfu et son master (avec mention) en composition électroacoustique de l'Université de Manchester. En janvier 2015 il a commencé ses études doctorales avec une bourse à l'Université de Sheffield sous la direction d'Adrian Moore. Sa composition acousmatique Erevos a gagné le premier prix ex aequo dans la catégorie des étudiants au concours de composition acousmatique Metamorphoses 2012 et sa composition Balloon Theories a reçu la bourse de résidence Franz List et le prix du public au concours de composition Metamorphoses 2014. En 2019 il a obtenu une mention pour sa composition Moments of Liberty II : Falling Within au concours de composition acousmatique Metamorphoses 2018, le 4e prix du Concours international de musique électroacoustique SIME 2019 et le 3e prix au Concours International de composition Electroacoustique Iannis Xenakis.

Noise Triangle

Les pleurs d’un nourrisson deviennent un mirage pour l’observateur. Un mirage qui représente l’image déformée de la perception qui ne peut tolérer les cris et leur message de tragédie. Une déformation qui en devenant plus intense forme un nouveau mirage, celui du bruit. Le bruit s’élargit et évolue, conduisant à un nouveau mirage, celui d’ondes (sonores) sinusoïdales. Que signifient toutes ces choses ? se demande l’observateur. Si ce sont des « apparences des choses cachées », que pourrait être ces « choses cachées » ?

David Snow (Etats-Unis)  

Les compositions de David Jason Snow ont été jouées au concert par l’Ensemble Intercontemporain au Centre Georges Pompidou à Paris, par la Banda Municipal de Bilbao au Palais d’Euskalduna à Bilbao, The New Juilliard Ensemble au Musée d’Art Moderne de New York, et bien d’autres artistes et ensembles sur une échelle internationale. Ses oeuvre sonores et visuels pour support fixe ont été jouées au festival Journées Art & Science de Musinfo à Bourges, au festival Exhibitronic à Strasbourg, au Festival Internacional de Video Arte y Música Visual à Mexico City, au Sound Thought Festival à Glasgow, Echofluxx à Prague, au Toronto International Electroacoustic Symposium. Snow a reçu des prix et bourses du National Endowment for the Arts, du Conseil des Arts de l’Etat de Maryland, de la fondation ASCAP et du BMI, et il a été artiste en résidence à Yaddo à Saratoga Springs, New York, et à la Colonie des arts de Millay à Austerlitz, New York.

The sum of all differences

“The sum of all differences” est une oeuvre sonore de 8 canaux qui exploite le phénomène des fréquences sommes et différentielles pour créer des tons « mirages » qui ne sont pas présents dans l’enregistrement source. Les 8 canaux sont organisés par 4 paires, chaque paire étant identique sauf que les paires 2, 3 et 4 sont transposés de 50, 100 et 150 Hz par rapport à la paire 1. L’interaction qui en résulte d’ondes sonores dans l’air, génère de profondes fréquences basses et de scintillantes fréquences hautes en temps réel pendant la performance.

Yun Ming Tai (Malaysie / Singapour)  

Etudiante de 2e année au conservatoire de musique de Yong Siew Toh (YSTCM), Université Nationale de Singapour (NUS).

Tesseract

Cette pièce est mon étude sur les manières de dépeindre le trength, la représentation spatiale de la quatrième dimension connue comme l’espace-temps. Le premier indice de la quatrième dimension est apparu dans la loi de la relativité d’Einstein. Bien que juste d’un point de vue mathématique, il n’est pas possible de faire l’expérience de la 4D dans notre sphère physique. Des indices issus de l’expérimentation prouvent encore que cette dimension est hors de notre portée, puisque nous sommes des êtres en 3D temporairement coincés, tout comme l’est notre musique. Néanmoins, les scientifiques ont établi un modèle physique de cette dimension supérieure, appelé tesseract ou hypercube. Le trength d’un tesseract est la dimension perpendiculaire à un cube qui tourne dans la durée. Théoriquement parlant, les objets 3D ont des ombres 2D. Les objets 4D auraient donc des ombres 3D. Quel serait l’ombre musical d’un tesseract ?

25-29 juin 2018

Le temps et ses Histoires

Galerie Pictura

La question du Temps serait-elle si vaste que mille vies ne suffiraient pas à résoudre ses problèmes ? Mais au fait : quels problèmes ? Le temps aurait-il des problèmes en ce moment et plus qu'avant ? Et pourquoi LE Temps ? N' y-a-t-il pas DES Temps ? Autant de questions qui seront modestement présentées à travers 4 panneaux didactiques :

1. Le Temps et Sciences.

2. Les principales Théories du concept Temps.

3. Le Temps sociétal et son histoire.

4 : L'interprétation du temps (Musiques et Arts au pluriel) : ce dernier panneau étant le plus important puisqu'il présentera des estampes originales d'artistes majeurs du XVIIème au XIXème siècle ainsi qu'un petit "cabinet de curiosités", avec de nombreux objets ayant servi à mesurer le temps et l'éternité.

Les Calendriers

Si on en croit la définition la plus simple tu mot « calendrier » c’est simplement un « système de repérage des dates en fonction du temps ». Et c’est un outil indispensable et ce depuis extrêmement longtemps, pour ne pas dire depuis la nuit des temps.
En effet, pour pouvoir mener à bien une activité quelle qu’elle soit, il faut pouvoir la situer dans le temps, prévoir le retour des animaux migrateurs à chasser, ou le retour de l’hiver…
et pourtant établir un calendrier qui « suit » les phénomènes saisonniers n’a, contrairement à la première intuition, rien de simple.

Toutes les grandes civilisations ont tenté de résoudre cet épineux problème, depuis les Babyloniens ( dont notre calendrier est un lointain descendant ) en passant par les égyptiens, les grecs et les romains.

Cette conférence explique l'origine de notre façon de jalonner le temps. L'origine des "heures", des semaines, du nom des jours ....

Nicolas Vincent-Morard

Issu d’un parcours scientifique, Nicolas VINCENT-MORARD s’engage rapidement à l’Observatoire de la lèbe (01) pour faire partager sa passion et ses connaissances en Astronomie. Titulaire d’un diplôme universitaire d’Astrophysique, il aime la vulgarisation. Passionné de zoologie et de botanique, il travaille à la rencontre des sciences, de l’histoire et des connaissances. Il développe des cycles de conférences et intervient pour de nombreux événements (après-midi de science au Théâtre de Bourg en Bresse, Musée de Lochieu, Conférences des étés de Montpellier, …). Il quitte l’Observatoire au moment où celui-ci recentre son activité. Nicolas poursuit un temps, ses conférences avec « Des histoires pour Savoir ». Il change ensuite d’orientation et se consacre pleinement à son autre démon : la musique. Fervent admirateur de Jean-Claude AMEISEN auteur de l‘émission « sur les traces de Darwin » sur FRANCE INTER, Nicolas reprend l’envie de partager la complémentarité de ses connaissances, l’environnement de l’homme ne faisant qu’un.

Musiques polonaises

Mercredi 15 mai à 15h - Médiathèque de Tarentaize

La Pologne occupe une place privilégiée dans la musique contemporaine avec de nombreux compositeurs qui ont influencé leurs pairs ainsi que les jeunes générations.

Le compositeur Przemyslaw Scheller vient de l'Académie de musique de Katowice pour nous parler de la musique contemporaine en Pologne. Pour illustrer ses propos, la flûtiste Alicja Lizer-Molitorys de l'Orchestre Musique Nouvelle de Katowice, en résidence à Saint-Etienne pendant les Journées Art & Science, interprétera quelques extraits d'oeuvres.

La conférence sera suivi d’une performance par Alicja Lizer-Molitorys basée sur la pièce Composition Arithmétique du compositeur polonais Artur Zagajewski. Voir plus de détails : Next Level.

Cet évènement est organisé dans le cadre du projet d'échange artistique Artex Katowice avec le soutien de l'Institut français à Paris et de la Ville de Saint-Etienne.

Przemyslaw Scheller

Compositeur de musique instrumental et électronique, Przemyslaw Scheller s'inspire de la littérature et des sciences populaires, s'intéressant au fonctionnement du cerveau humain, aux questions philosophiques et théologiques. En tant que compositeur il est régulièrement sollicité pour écrire de nouvelles oeuvres qui sont jouées dans les plus importants festivals de musique contemporaine en Pologne. Scheller est également directeur artistique du festival Silesian Composers' Tribune.

Assistant au département des nouveaux médias de la faculté des arts de l'Université de Silésie à Katowice,  il détient un double doctorat de l'Académie de musique de Katowice et du CNSMD de Lyon. Il est membre de l'Union des compositeurs polonais depuis 2015.

Les Calendriers

Jeudi 16 mai à 19h - Cinémathèque

Si on en croit la définition la plus simple du mot « calendrier » c’est simplement un « système de repérage des dates en fonction du temps ». Et c’est un outil indispensable et ce depuis extrêmement longtemps, pour ne pas dire depuis la nuit des temps.

En effet, pour pouvoir mener à bien une activité quelle qu’elle soit, il faut pouvoir la situer dans le temps, prévoir le retour des animaux migrateurs à chasser, ou le retour de l’hiver… et pourtant établir un calendrier qui « suit » les phénomènes saisonniers n’a, contrairement à la première intuition, rien de simple.

Toutes les grandes civilisations ont tenté de résoudre cet épineux problème, depuis les Babyloniens (dont notre calendrier est un lointain descendant) en passant par les Egyptiens, les Grecs et les Romains.

Cette conférence explique l'origine de notre façon de jalonner le temps. L'origine des "heures", des semaines, du nom des jours...

Nicolas Vincent-Morard

Issu d’un parcours scientifique, Nicolas VINCENT-MORARD s’engage rapidement à l’Observatoire de la lèbe (01) pour faire partager sa passion et ses connaissances en Astronomie. Titulaire d’un diplôme universitaire d’Astrophysique, il aime la vulgarisation. Passionné de zoologie et de botanique, il travaille à la rencontre des sciences, de l’histoire et des connaissances. Il développe des cycles de conférences et intervient pour de nombreux événements (après-midi de science au Théâtre de Bourg en Bresse, Musée de Lochieu, Conférences des étés de Montpellier, …). Il quitte l’Observatoire au moment où celui-ci recentre son activité. Nicolas poursuit un temps, ses conférences avec « Des histoires pour Savoir ». Il change ensuite d’orientation et se consacre pleinement à son autre démon : la musique. Fervent admirateur de Jean-Claude AMEISEN auteur de l‘émission « sur les traces de Darwin » sur FRANCE INTER, Nicolas reprend l’envie de partager la complémentarité de ses connaissances, l’environnement de l’homme ne faisant qu’un.

 15 mai 2019 - 16h

Next Level

Médiathèque de Tarentaize

Musicienne contre machine. Une pièce d'une durée de 1000 secondes exactement. 1000 secondes de pure concentration, car l'adversaire est un ordinateur qui ne fait pas d'erreurs...

La flûtiste Alicja Lizer-Molitorys a imaginé une performance sous forme de jeu de concentration, basée sur la pièce Composition Arithmétique du compositeur polonais Artur Zagajewski.

Il s'agit d'une pièce pour flûte piccolo et fichier son qui demande beaucoup de précision de la part de l'interprète. Les sonorités de cette pièce rappellent fortement celles des jeux vidéo des années 80 - un parcours musical plein d'aventures et de rebondissements.

Performance jouée avec le Sampo.

Cet évènement est organisé dans le cadre du projet d'échange artistique Artex Katowice avec le soutien de l'Institut français à Paris et de la Ville de Saint-Etienne.

16 mai 2019 - 20h

Déjà-vu

Cinémathèque de Saint-Etienne

Faux souvenir ou souvenir refoulé ? Juxtaposition de perception et de souvenir ? Signe de vie antérieure, illusion ou anomalie temporelle ? L’éternel retour du même ? La sensation du déjà-vu intrigue autant artistes, philosophes que scientifiques.

Dans le cadre des Journées Art & Science, Musinfo propose aux compositeurs et artistes du monde entier de participer à l'appel pour une œuvre sonore ou multimédia.

Ce concert multimédia mettra en avant une sélection du 6ème appel à l’œuvre sur le thème du Déjà-vu.

C’est l’occasion de vous plonger dans des univers sonores et visuels singuliers, d’explorer les visions variées que ces artistes peuvent avoir du thème donné. 

17 mai 2019 - 18h

Impressions

Bourse du Travail de Saint-Etienne

Les sons acoustiques du violoncelle et de la flûte se mêlent avec les sons électroniques du Sampo dans une relation délicate où chacun influence l’autre, dépend de l’autre, complète l’autre jusqu’à donner l’impression de provenir d’une source unique.

Les oeuvres évoquent des mondes et des époques différents, en allant d’instruments traditionnels à des sonorités presque machinales.

Concert de fin de résidence des solistes Marie Ythier et Alicja Lizer-Molitorys et des compositeurs lauréats du Concours de composition pour instrument acoustique et Sampo, Jean-François Charles et Hongshuo Fan. Les compositeurs présenteront personnellement leurs oeuvres pendant le concert, et un moment d'échange sera réservé pour rencontrer les artistes.

Sampo est un instrument innovant fabriqué à Saint-Etienne dont le but est d'augmenter les sonorités de tout instrument acoustique et ainsi libérer la créativité musicale.

Cet évènement est organisé dans le cadre du projet d'échange artistique Artex Katowice avec le soutien de l'Institut français à Paris et de la Ville de Saint-Etienne.

Programme :

Interprètes :

Opus Centrum Ensemble : Alicja Lizer-Molitorys – flûte et Sampo, Marie Ythier – violoncelle et Sampo

18 mai 2019 - 18h

Voyage nocturne

Musée de la Mine

A l'occasion de la Nuit des Musées, Nicolas Vincent jouera de divers instruments de traditions populaires, transformés avec Sampo. Sa performance vous fera voyager dans d'autres mondes.

Avec des moments de jeu et des moments de présentation, Nicolas Vincent et Alexander Mihalic, créateur du Sampo, feront découvrir les différents instruments utilisés lors de cette soirée unique dans le cadre historique de Musée de la Mine.

 26 juin 2018 - 17h

Hiatus

Médiathèque de Bourges

Emprunté du latin, hiatus, « action d’ouvrir, ouverture » puis, en linguistique, « rencontre de deux voyelles dont la prononciation conduit à maintenir la bouche ouverte ».
… rencontre de deux voyelles appartenant à des syllabes différentes, se produisant soit dans la succession de deux mots, soit à l’intérieur d’un mot : boa, séisme, aérer, géant…

Différents mots comprenants des hiatus — mots choisis et regroupés selon leurs possibles rapprochements – font l’objet de miniatures improvisées ; puis d’une improvisation plus longue exploitant les idées des miniatures.

Hiatus est un projet de performance improvisée flûte et virginal (clavecin) dont les sons sont déclenchés par les mouvements du musicien.

Hiatus articule les deux sons de la flûte (animée directement) et du virginal (animé via un capteur) dans le mouvement d'une seule personne et d'une seule idée musicale, afin d'en faire un geste musical fort et perceptible.

interprète :

Claire Marchal

Performance suivie d'une présentation par David Boinnard, facteur de clavecins.

Depuis près de 40 ans, David Boinnard façonne le bois pour restituer les sons de clavecin tels qu’ils pouvaient être entendus à l’époque baroque. Dans un souci d’historicité, il cherche à comprendre la facture instrumentale de ses prédécesseurs des 15° au 18° siècle. Imprégné de ses connaissances de l’histoire et de la culture d’une époque, il reconstitue des sons oubliés à travers la copie d’épinettes, virginals et autres clavecins.
Dans cette recherche d’authenticité, il fait preuve de curiosité autant que d’entreprise : il est le premier à copier des instruments français typés tels les clavecins de Thibault de Toulouse ; il n’hésite pas à tester le cordage en boyau sur des grands instruments ; avec audace il restitue en première mondiale un clavicytherium portatif médiéval d’après le seul support iconographique. Cet éclectisme et cette curiosité l’ont tout naturellement conduit à la lutherie contemporaine. Fort de son métier de re - créateur de sons, David Boinnard travaille depuis quelques années à équiper ses propres instruments acoustiques de capteur MIDI afin de les connecter aux systèmes sonores actuels.

Hiatus, contact

arteintime.com

david-boinnard.com

27 juin 2018 - 17h

Tempus

Médiathèque de Bourges

« Qu'est-ce donc que le temps ? » se demandait Augustin d’Hippone. « Si personne ne me le demande, je le sais ; mais, si on me le demande, et que je veuille l'expliquer, je ne le sais plus. »

Projection d'œuvres multimédia réalisées par des artistes du monde - sélection du 5ème appel à l’œuvre pour les compositeurs et les artistes multimédia.

C’est l’occasion de vous plonger dans des univers sonores et visuels différents, d’explorer les visions variées que ces artistes peuvent avoir du thème commun « Temps ».

Programme :

sélection de oeuvres :

Fabien Cothenet, Mikhail Malt

montage vidéo :

Alexander Mihalic

28 juin 2018 - 18h

Le temps d'un souffle

Médiathèque de Bourges

Deux instruments à vent et un éventail de sons bien au-delà. Voilà qui résume ce concert unique avec Sampo, instrument du XXIe siècle.

Sampo est un instrument innovant qui élargit le champ sonore des instruments acoustiques. Les compositeurs lauréats du Concours de composition pour instrument acoustique et Sampo : Theodore Teichman (Etats-Unis), Luis Carlos Martinez Wilde (Bolivie), Nikos Koutrouvidis (France / Grèce) et Maurilio Cacciatore (Italie) vous proposent de découvrir de nouvelles sonorités avec quatre oeuvres en création mondiale.

Le programme du concert comportera également des œuvres sélectionnées par les interprètes Monika Streitová et Serge Bertocchi et tirées du répertoire de la musique mixte : Barthélémy, Blardony, Cavanna, Gubitsch, Oliveira.

Ainsi nous vous proposons une programmation conçue conjointement et à leur image par les compositeurs lauréats et les interprètes.

Nikos Koutrouvidis et Maurilio Cacciatore, en résidence à Bourges pendant les Journées Art & Science 2018, seront présents lors de cette soirée pour rencontrer le public et présenter personnellement leurs œuvres.

Programme du concert :

Concours de composition pour instrument acoustique et Sampo

lauréats 2018 - remise des prix

Concert

* (création mondiale)

interprètes :

Opus Centrum Ensemble : Serge Bertocchi – saxophones et Sampo, Monika Streitová – flûte et Sampo

29 juin 2018 - 17h

Temps forts

Médiathèque de Bourges

Concert des élèves de conservatoires dans le cadre du projet RéDi-Musix. Les conservatoires partenaires ont eu à leur disposition pendant une année des Sampos, chacun ayant pu l'utiliser à sa manière en jouant des pièces de répertoire ou en créant de nouvelles oeuvres. Ce concert de restitution donnera un aperçu du travail effectué au cours de cette année 2017-2018.

Programme :

* (création mondiale)

interprètes :

Elisa Fouquoire - violon et Sampo

Quentin Judic - saxophone et Sampo

Corentin Nagler - saxophone et Sampo