Il a étudié à LEMS-SPACE (Pesaro, Italie) et au CMT (Helsinki, Finlande), actuellement il prépare une maîtrise en arts médiatiques et en design à l’Université Bauhaus de Weimar (Allemagne).
Il s’intéresse au son, à sa perception et à sa relation avec les autres médias, en explorant les phénomènes sonores des entités sonores élémentaires et leurs comportements. Il est inspiré par la beauté de la physique.
Sandro L'Abbate (Italie)
Sandro L'Abbate, classe de 1988. Diplômé en photographie à l'Académie des Beaux Arts en Italie. Il s’intéresse à la production audiovisuelle, en utilisant les systèmes interactifs et électroniques pour observer des phénomènes physiques. Il confronte actuellement la mer.
Studio N.1
Un individu désorienté interagit avec un espace virtuel. Le corps devient un instrument, et par conséquent, en mesure de répondre à un stimulus selon une logique sonore spécifique. Comme tout programme informatique, c’est un système où les défauts, les bogues, les perturbations et toute sorte d'interférences, conduisent à un rythme fragmenté du récit lui-même.
Ce travail est né avec l'intention de créer un lien entre ce que nous voyons et ce que nous entendons, c'est une étude sur les connexions et les interactions de ces processus. Le matériau sonore simple, les ondes sinusoïdales et les pépins, présente des mouvements internes complexes basés sur des phénomènes de battements liés à la dynamique de la vidéo.
Massimo Avantaggiato est un ingénieur du son et compositeur italien. Depuis son adolescence, il s’est concentré sur l'expansion de son paysage musical en utilisant l'électronique, les techniques d'enregistrement inhabituelles et la technologie informatique, tout ce qui l'aide à développer son idée du son et de la composition. Il a obtenu un diplôme en composition électroacoustique avec mention au Conservatoire de Milan "Giuseppe Verdi", et un diplôme d'ingénieur du son (Regione Lombardia). Il a récemment participé à : TIES2016, Toronto, Canada; NYCEMF 2016 (New York, États-Unis), Soundthought 2016 (Glasgow); International Computer Music Conference 2014, Athènes, Grèce; Conférence Csound 2015, Saint-Pétersbourg, en Russie; LINUX Audio Conference 2015, Mayence, Allemagne; Concours Giordano National de Composition 2014 (finaliste), Conservatorio di Foggia, Italie; Conférence CIM14 Interdisciplinaire de Musicologie, Berlin, Allemagne; CIM2014, Conservatorio S. Cecilia, Rome (Italie); ATMM 2014, Ankara, Turquie; ICMPC-APSCOM2014, Séoul, Corée du Sud.
Atlas of uncertainty
Atlas of uncertainty (Atlas de l'incertitude) est une pièce de musique concrète.
Un microcosme de sons devient l'univers hylétique exploré grâce à diverses techniques dans cette pièce.
La pièce utilise des matières sonores hétérogènes:
- bruits de cuisine;
- texture retraitée de cloches;
- sons de fouets électroniques;
- carillons;
- bols tibétains;
- souffles bruyants;
pour en nommer quelques-unes. Les sons sont ici combinés dans des gestes électroniques bien identifiables.
Manuella Blackburn est une compositrice de musique électroacoustique qui se spécialise dans la création de musique acousmatique. Elle a également composé pour instruments et électronique, des improvisations pour ensembles d’ordinateurs portables, et de la musique de danse. Elle a étudié la musique à l'Université de Manchester suivie d'une maîtrise en composition électroacoustique. Elle est devenue membre de Manchester Theatre Sound (MANTIS) en 2006 et a obtenu un doctorat à l'Université de Manchester avec Ricardo Climent en 2010. Manuella Blackburn a travaillé en résidence dans les studios de EMPAC (Experimental Media and Performing Art Centre, New York), Miso Music (Lisbonne, Portugal), EMS (Stockholm, Suède), Atlantic Centre for the Arts (Floride, USA), et Kunitachi College of Music (Tokyo, Japon). Sa musique a été interprétée lors de concerts, festivals, conférences et expositions en galerie. Elle est actuellement Maître de conférences en musique à l'Université Liverpool Hope..
Ice Breaker
Lorsqu’un glaçon est placé dans un verre d'eau, il craque en raison du phénomène connu comme la dilatation différentielle. Comme l'eau est plus chaude que la glace, la couche externe de la glace se dilate et se fracture tandis que le noyau reste froid. Cette fissuration à micro-échelle a été capturé avec des microphones minuscules insérés dans de grands verres de boissons et a fourni le concept pour cette composition. Des sons supplémentaires d'effervescence, de bouillonnement et de versement de liquides ont été enregistrés pour accompagner les sons plus petits de glace. Ce travail fait suite à mes travaux antérieurs - Switched on (2011) et Time will tell (2013) qui explorent tous les deux l'utilisation de petits sons dans un contexte acousmatique. Les nouvelles techniques de regroupement des petits sons de glace ont été explorées dans ce travail, ainsi que le concept de micromontage de Horacio Vaggione.
Sergio Blardony est né à Madrid en 1965. Il étudie la composition avec R. J. de Vittorio et -pendant quatre années - avec J. L. de Delas à l'Université Alcalá de Henares. Il a également assisté à la fois à des cours de composition et d'analyse avec Heinz-Klaus Metzger, Rainer Riehn, Helmut Lachenmann, Enrico Fubini, Luis de Pablo, etc.
Il a reçu plusieurs prix, tels que la Société d’Auteurs et de Composition espagnole (SGAE), Prix de composition musicale de la Cité Internationale de Tarragona, ou Prix Joaquín Turina.
Il a composé plus de 70 œuvres pour toutes sortes d'instruments et de voix: solo et musique de chambre, ensemble, orchestre, vocale et chorale, électroacoustiques et multimédia, théâtre musical ..., a joué dans différents pays -Autriche, Russie, Allemagne, Espagne, France , Portugal, États-Unis, le Canada, la Corée, la Chine, l'Ethiopie, le Mexique, l'Argentine ...
Editeurs: Berben Edizioni Musicali, Pygmalion, EMEC - éditeur espagnol de musique contemporaine, Periferia Partitions, Partitions Babel ...).
éditeur actuel: UME, Music Group Sales.
Tracto
Élément du titre : AIR
œuvre artistique électronique et vidéo qui explore l'intérieur d'un saxophone basse par endoscopie. Le travail est prévu dans les festivals du monde entier. Il s’est vu attribuer le Shut Up And Listen (Vienne) et la Mention spéciale au Festival MADATAC 04 (Madrid).
"Tracto" est l'image d'un lieu inerte, qui, lorsqu'il est touché, devient un centre organique, un confluent du sec et de l'humide, le parfait et le palpitant, le calculé et l'imprévisible. C’est un voyage à travers un intérieur préservé, le chemin à travers la sombre caverne dont les trous soulèvent l'air, la respiration, la halite et le bruit. (Pilar Martín Gila, poète)
Auteurs: Sergio Blardony, Marta Azparren
Les sons enregistrés à partir d'un saxophone basse Selmer Serie II, Andrés Gomis (saxophoniste).
Francesco Bossi est un compositeur et concepteur sonore dont l’œuvre comprend la musique acoustique et électroacoustique, et les installations vidéo et multimédia. Il est titulaire d’un diplôme en musique électronique du Conservatorio di Milano avec mention très bien. Sa recherche se concentre actuellement sur la production de synthétiseurs algorithmiques personnalisés. Son aspiration est de partager de la musique contemporaine au-delà des auditoires universitaires. Ses œuvres sont jouées par des orchestres et sélectionnés par des festivals et des concerts internationaux. Sa vidéo " Urban Landscape Fractures – Milano " a été choisi par le XII Festival Internacional de Arte Sonoro y Música Electroacústica (Valence - Espagne, 2015), par SEAMUS 2016 National Conference, (Statesboro, Géorgie - USA, 2016), par le New York City Electroacoustique Music Festival (New York, USA, Juin 2016) et par le 12e Symposium International du CMMR (São Paulo, Brésil, Juillet 2016).
Urban Landscape Fractures - Milano
« Urban Landscape - Fractures, Milano” souligne le paysage urbain vu à travers des fractures et des espaces discrets, en dilatant et en court-circuitant le temps et l'espace, et même en les occupant avec des phénomènes qu’il nous semble avoir vu auparavant uniquement dans le virtuel.
Grâce à ces crevasses devient visible la ville peuplée par des bâtiments et des structures qui semblent être générés par un algorithme de morphogénétique. Cette phénoménologie surmonte la frontière entre le réel et le virtuel, et obtient le résultat hybride des deux catégories. Le paysage urbain est généré par un algorithme de morphogénétique.
L’œuvre est influencée par la théorie de la transvergence de Marko Kovač, par le concept d’hétérotopie de Michel Focault et par la théorie de «non-lieu » de Marc Augé.
Né en 1979 à Palerme (Italie), Marco Busetta achève ses études en Ingénierie et Piano dans sa ville de naissance. Ensuite il vit à Montpellier, Liège et Bologne.
Acqua esagonale
Des récentes découvertes (source : http://journals.aps.org/prl/abstract/10.1103/PhysRevLett.116.167802) ont montré la possibilité pour les molécules d’eau de se disposer dans une forme inédite jusqu’aujourd’hui, où les atomes d’hydrogène et d’oxygène se trouvent en même temps dans toutes les six positions équivalentes.
Les conditions pour que cet état se réalise, ont été trouvées dans un canal de 5 de largeur dans un minéral de béryllium.
Pour la composition de la pièce Acqua esagonale on a utilisé la masse atomique du Béryllium (9,01218 u) pour générer une série de sons distinctifs de l’élément, ainsi que sa configuration électronique pour la présentation et la description symbolique du « monde » intra-atomique de l’élément. La structure hexagonale revient en deux formes différentes, soit dans la disposition de la série du béryllium, soit dans l’adaptation de la série qui génère le « motif » de l’eau. Le numéro six est de toute façon constitutif de toute la pièce.
Parmi les prix décernés se trouvent les Prix Sonic Visions nationales - Yamaha 2007, Le troisième prix à la Rossana Maggia Luigi Russolo Compétition 2011, mention honorable dans le premier concours latino-américain Becerra G. Smith, ainsi que le soutien pour compléter divers projets artistiques.
Il a présenté son travail dans des festivals comme le Forum international de New Music Manuel Enriquez dans les années 2010, 11, 12 et 13; EMU International Electroacoustic Music Fest Santa Cecilia Conservatory en Italie en 2009, 10 et 11; The New York City Electroacoustic
Music Festival; The International Workshop on Computer Music and Audio Technology Taiwan - WOCMAT 2010 et 2012, Électro Fête du Printemps de Valence, en Espagne. 2010; Fête du Printemps électroacoustique La Havane, Cuba. 2010; Composition 2aBienal de l'Université de Cordoba en Argentine, 2012; Sciences humaines, Arts et la technologie du Festival, 2010 Université de Caroline du Nord, Etats-Unis et beaucoup d'autres.
Cyhos
Chacun des mouvements de la composition sonore est un univers défini avec des centaines de nouvelles possibilités ouvertes à l'indéfini, le transfini comme une forte explosion, telle une explosion avec des réacteurs de conséquences sonores dont la forme est à la matière un échantillonnage électronique du prélude à recréer l'univers qui dépasse la finitude de l'œuvre parfaite, qui a transformé en un son somatique transfinite.
Le son transfini comme une œuvre idéale, avant même son propre temps, avant la première fugue et la sonate, avant la première danse et la découverte du feu. Autrement dit, la superstructure et de la superstructure - sans écailles trempé, des tons, ou forme finie - pour sa source d'énergie massive déterministe - univers statistique probabiliste et a l'avantage sur le traditionnel restreint - forme musicale émotionnellement neutre.
Selon l'expression de Heidegger:
"Let devient lui-même visible comme le montre" (Sein und Zeit, p. 34).
MOD
En mathématiques le résultat de l’opération modulo est le reste d’une division euclidienne. Pour cette œuvre, c’est une valeur ajoutée et une sédition qui réalise la combinaison unique entre la perception de l’image abstraite et la réception.
Originaire de Hong Kong, compositeur Chin Ting (Patrick) CHAN est professeur adjoint de théorie musicale et de composition à l'Université Ball State. Sa musique a été présentée à travers l’Amérique du Nord et du Sud, de Europe et de l’Asie ; dans des festivals tels que l'International Computer Music Conference, la Tribune Internationale des Compositeurs, ManiFeste de l'Ircam, le World Music Days Festival de ISCM, June in Buffalo, le festival Mise-en-music et la Wellesley Composers Conference, parmi beaucoup d'autres.
Zone 23
Zone 23 est ma représentation sonore et ma métaphore d'un lieu en guerre. La pièce utilise le sarcasme contre la science quand celle-ci n’est pas utilisé correctement (par exemple, destruction de masse). La pièce commence par un accord de résonance, qui revient souvent tout au long de la pièce afin de relier les différentes sections. La pièce comporte essentiellement des sons qui se rapportent à l'idée de la guerre moderne - par exemple, les sons des hélicoptères, des coups de feu, des bombes entre autres. La section du milieu présente les juxtapositions de sons d'animaux et de balles, avec une personne qui marche de manière stable en arrière-plan. Cela peut être interprété comme la personne témoin d'une guerre lointaine, comme si elle n’y participait pas ou n’était pas affectée.
Christopher Coleman (né 1958 à Atlanta, GA). compositeur, chef d'orchestre et tromboniste il est actuellement coordonnateur de composition et chef adjoint du Département de musique de la Hong Kong Baptist University, où il a enseigné pendant 26 ans.
Les travaux de Coleman vont de poèmes musicaux pour orchestre à des pièces multimédia / improvisation à grande échelle en passant par des pièces pour orchestre, pour ensembles de musique de chambre, pour solo instrumental, et pour la voix. Compositeur primé, il a reçu de nombreuses commissions et bourses, dont ceux des groupes locaux de Hong Kong Wind Kamerata, Hong Kong Wind Philharmonia, Guilde des compositeurs de Hong Kong, RTHK Radio 4, et du Comité des bourses universitaires de Hong Kong .
Sa musique est publiée par Vanderbilt Music, Maecenas Music, Theodore Presser, Ensemble Publications, C. Alan Publications et Crown Music Press.
Artiste trans-médias, Christopher Coleman travaille également en peinture, sculpture et infographie.
Greater Than
« Greater Than » est une transformation progressive d'un objet sonore à un objet contrasté. Il y a seulement trois sources sonores simples utilisées: une cloche de temple, un clavecin, et un marimba. Les sources sont traitées pour se repliquer des centaines, des milliers, voire des millions de fois; donc comme les atomes créent des éléments qui créent des molécules, les «atomes» de la musique créent ces objets plus grands. L'ensemble est donc supérieur à la somme des parties.
Gerardo De Pasquale, compositeur, chercheur, sound designer, visual designer ; a étudié la musique et spécialement le violon avec Georg Mönch et la composition avec Edoardo Ogando à Rome. Depuis 1995 il travaille sur un langage esthétique de la composition concrète et spectrale, sur la qualité sonore et sur la synesthésie visuelle. Certaines de ses compositions sont présentées dans d’importantes expositions et musées dont : Bauhaus-Archiv Berlin, Städtische Galerie im Lenbachhaus de Monaco, le Museo Cantonale d'Arte à Lugano, Exposition Internationale d'Art Contemporain - Jeune Création, Grande Halle de la Villette Paris, Archives DOCVA Milan, MAXXI à Rome, Galleria Milano. Sa dernière œuvre est le CD « Mosconi-Wagner » pour le label Alga Marghen, produit avec Gabriele Bonomo, réalisant la composition, le mixage, l’ingénierie du son, la réalisation technique et le graphisme.
SGUARDO SOSPESO - RIFRAZIONI
La composition (concrète) décrit un dialogue en suspens entre la terre et le ciel. L’écoute est un passage, comme un écho (le mythe d’Echo et Narcisse), pour aller au point le plus éloigné pour devenir pure abstraction. Le matériel audio utilisé consiste en des enregistrements sur 4 jours et 4 nuits réalisés à la campagne et en centre ville, 4 enregistrements audio spatiaux, une augmentation à distance, la planète Terre (échantillons de la NASA), plus 6 échantillons de la NASA (sonification des courbes de lumière) du projet Kepler : KIC9812351B, KIC12268220C, KIC3866709B, KIC5775232B, KIC7671081B, KIC9700322B, KIC10273384B.La vidéo consiste en une séquence de 8 images du temps céleste, à mesure qu’augmente la profondeur de l’espace. Pour changer le moment où l’échelle et la profondeur se produisent, d’autres corps célestes, jusqu’à ce que l’image se fonde dans une abstraction qui montre les limites actuelles des instruments d’observation, les limites du connaissable.
Tony Doyle est un compositeur/académique irlandais basé au Royaume-Uni. Il a étudié la performance et la composition de la musique classique et du jazz. Les études complètes comprennent une maîtrise en technologie de la musique et des médias au Trinity College à Dublin et un doctorat à l'Université de Limerick en son spatial. À l'issue de ses recherches doctorales, il a été embauché par l'Université de York pour travailler sur un projet financé par EPSRC concernant le son spatial pour le divertissement interactif domestique.
Doyle a interprété de nouvelles compositions pour piano et ensemble, dont des compositions spatiales, en Irlande, au Royaume-Uni, en Hollande, à Chicago et au Japon. Il a également travaillé avec l'Ensemble Modern au Japon (Financé par Culture Ireland) et le Quatuor à cordes ConTempo.
SPS Etude 5.1
Cette œuvre est un extrait d'un arrangement Octophonique remixé en 5.1 Cette œuvre a été composée dans le cadre de ma thèse qui développait une application spatiale pour influencer l'impression perceptive des caractéristiques spatiales d'une source. Cette pièce est basée sur le travail développé au cours de la recherche qui enquêtait sur la présentation temps-fréquence-espace.
La méthode est connue sous le nom de Spatialisation de procédé spectral (SPS) qui est capable de permettre le contrôle de l'imagerie volumétrique d'une source en utilisant le placement fantôme avec un panoramique d’amplitude. L’utilisation d’un tableau 2D permet la distance, la proximité, l’apparente largeur de la source, l’enveloppement et les effets verticaux, alors que les tableaux 3D permettent l'imagerie volumétrique avec des informations sur la hauteur et l’ imagerie de la profondeur (avant vers l'arrière) d'une source.
Gino FAVOTTI, 1962, France. Musicien autodidacte (contrebasse et violon), j’apprends la composition électroacoustique à L’INA-GRM-ADAC avec J. Lejeune et P. Mion, puis dans la classe de J. Schwarz à l’ENM de Gennevilliers. En 1990 je deviens assistant du compositeur L. Ferrari au studio de la Muse en Circuit. Je me consacre à la composition électroacoustique ou acousmatique sur support et en multiphonie.
Je collabore et échange avec d'autres compositeurs/trices et groupes et réalise des musiques pour les spectacles vivants ou les arts visuels.
Je produis et compose les spectacles musicaux : "Arbors", autour de la recherche fondamentale scientifique transposée dans le domaine des arts.
J’enseigne la composition électroacoustique depuis 1993 au Conservatoire G. Bizet à Paris 20ème où j’ai créé et développé la classe de composition électroacoustique.
Issus de l'évolution
« Issus de l'évolution » est l'un des mouvements du projet Arbor II, autour de la théorie de l'évolution de Charles Darwin. C’était à l’occasion d’une commande du Musée d'Histoire Naturelle de Paris pour le bicentenaire de C. Darwin que cet Arbor II, fut conçu. Ce projet en deux volets pour le moment, a pour but de lier les approches scientifiques contemporaines évolutionnistes et leur interprétation ou transposition sous forme musicale, poétique et imagée. Dans son intégralité de concert, ce projet est une construction, avec un chercheur filmé expliquant une théorie ou une hypothèse en la reliant à la recherche fondamentale. Ceci est transposé dans un cadre poétique par un poète sur scène et dans un cadre musical avec des compositions électroacoustique en surround ou multiphonie. Ce mouvement « Issus de l'évolution », traite de la phylogénie en science de l'évolution.
Rob a un intérêt passionné pour la façon dont le son se comporte acoustiquement et a développé de nombreuses techniques pour le contrôle et la construction d'espaces virtuels.
Il fait partie d'une équipe de collaboration avec Simeon Nelson et Nick Rothwell créant des installations combinant du son et des sculptures lumineuses. Plenum est une projection de son et de lumière architecturale en temps réel, générée par ordinateur. Il a été représenté à travers l'Europe et l'Australie sur plusieurs bâtiments qui comptent parmi les plus emblématiques du monde. 2016 verra Rob travailler sur le nouveau projet Cosmoscope de Simeon financé par le Wellcome Trust.
En collaboration avec Kate Romano et la Guildhall School of Music and Drama, Ritual is a new ACE, RVW et la Britten-Pears Foundation ont financé une tournée de concerts incluant la nouvelle réalisation et l’interprétation de « Poeme Electronique » de Varese par Rob ainsi que sa nouvelle composition - Faraday Waves - un document d'accompagnement pour la Varese qui sera créée en 2016 festival de Cheltenham.
Faraday Waves
Faraday Waves est une courte œuvre audiovisuelle écrite comme une pièce d’accompagnement pour une représentation en salle de concert du « Poème électronique » de Varese.
Faraday a découvert qu'un liquide subissant une vibration verticale dont la fréquence dépasse une certaine valeur, devient instable sur les ondes de surface. Aussi connu sous le nom d’Instabilité de Faraday, elles forment des ondes stationnaires non linéaires qui apparaissent sur les liquides fermés dans un récipient vibrant.
Grâce à un prix de Santander, Rob a pu rendre visite à son collègue, le professeur Stephen Morris au Département de physique de l’Université de Toronto en mai 2015. Une partie des recherches de Stephen porte sur « des objets vibrants » et le son est souvent utilisé comme une forme de stimuli. La vidéo, créée par Sam Jury, utilise la documentation vidéo de l'expérience de physique classique inventée par Faraday.
Faraday Waves utilise des rythmes de la parole trouvés dans le poème de E.E. Cummings I Carry Your HeartWith Me. Placé au sein de la résonance d'une cloche, il symbolise la création et la naissance d'une nouvelle vie.
Reuben Jelleyman (1993), actuellement basé à Wellington, Nouvelle Zélande, est diplômé de physique de l’Université de Victoria, avec des études supplémentaires en art sonore à la New Zealand School of Music. Sa musique s’étend entre l’esthétique contemporaine et les pratiques historiques, et se concentre sur la construction. Ses œuvres récentes comprennent un opéra de chambre, des œuvres pour orchestre, pour solistes et pour environnements multicanaux. Sa musique a été jouée à Avanti ! (Finlande), Intrepid Music (Akl), le NZSO, NZTrio, et ACL (Singapour). En 2015 Jelleyman a été finaliste du prix SOUNZ contemporain, a terminé premier au concours des compositeurs NZSM et co-lauréat du concours de composition NZTrio et du prix NZSO jeune compositeur.
Nucleosynthesis
Les physiciens pensent que la première nucléosynthèse s’est produite approximativement 3 minutes après le big bang*.
* Thornton and Rex, Modern Physics; Troisième édition, p. 574, Thomson Brooks/Cole 2006, ISBN 0-495-12514.
Les compositions sonores de Kokoras utilisent le timbre comme le principal élément de la forme. Son concept d’« holophonie » décrit son but, que chaque son indépendant (de phonos), contribue de façon équivalente à la synthèse du total (holos). Dans les deux écritures instrumentale et électroacoustique, sa musique fait appel à une « virtuosité du son », mettant l'accent sur la production précise de possibilités sonores variables et la distinction correcte entre un timbre et un autre pour transmettre les idées musicales et la structure de la pièce. Sa production compositionnelle se sert également d’informations issues de la recherche musicale de stratégies de composition, de techniques étendues, du son tactile, de la réalité augmentée, de la robotique, du son spatial et de la synesthésie dans le cadre d’exploitation d’informations musicales.
Mnemonic Generator
Mnemonic Generator pour sons électroacoustiques a été composée durant l'été 2011. La pièce crée un paysage sonore surréaliste d'un ancien site de construction. Comme une machine à remonter le temps, le paysage sonore tribal evolue lentement vers un lourd délire industriel. La réalité est amplifiée et le son de concret se transforme en un objet sonore abstrait. Des rythmes complexes introduisent des paysages sonores archaïques avec des gestes puissants. Les conditions écologiques déterminent la structure de composition et deviennent des ressources pour le développement ultérieur.
La musique de Phivos-Angelos Kollias a une approche anthropocentrique ; l'auditeur devient le point focal, invité à participer activement avec sa perception. En tant que compositeur-chercheur, il explore la connexion de la musique et des études scientifiques interdisciplinaires des théories de la complexité en les appliquant à sa musique. Kollias est né à Rhodes, en Grèce, et il a étudié la composition en Angleterre et en France avec le soutien de quatre fondations. Il a reçu 7 récompenses et 8 nominations pour sa musique dans plusieurs concours internationaux et 5 autres prix internationaux de collaboration. Ses œuvres ont été réalisées dans plus de 20 pays dans plus de 70 concerts. Il a étudié la composition avec H. Vaggione, J. L. Hervé, Y. Maresz, J. M. López López, R. Hoadley et R. Samuel. Il a suivi des master classes de H. Lachenmann, G. Aperghis, B. Furrer, T. Murail, P. Ablinger, P. Hurel, M. Lanza, U. Chin, O. Strasnoy, A. Hölszky, C. Gadenstätter, L. Naón et A. Di Scipio.
And if...
And if... (« Et si… ») est le troisième volet de mon triptyque d'œuvres musicales basées sur la retroaction; rétroaction comme son; rétroaction comme un principe de composition.
Un algorithme, ou un code génétique, donne naissance à un organisme de la musique, que j'appelle un "Ephemeron".
Pour ce travail, l'algorithme d’Ephemeron est planté à travers l'Internet sur un autre ordinateur; sur un ordinateur étant à un lieu différent et une autre ville. Un auditeur est là. Un organisme de musique est né à cet autre espace; l'auditeur écoute et réagit et en réagissant, agit sur l'organisme. Une conversation est établie par l'Internet; l'organisme de musique communique avec l'auditeur qui réagit spontanément au son. La conversation est enregistrée, coupée, retravaillée, re-composée.
Ceci est le fruit de cette conversation recomposée.
Né à Athènes en 1966. Ingénieur de formation initiale, il obtient un diplôme de composition au Conservatoire de Strasbourg dans la classe d’Ivan Fedele, un premier prix d’Acoustique musicale au CNSMDP auprès de Michèle Castellengo et suit la formation ATIAM (Acoustique, Traitement du signal, Informatique, Appliqués à la Musique) à l’Ircam. Parmi ses œuvres majeures jouées principalement en France et en Europe, « L’avenir du silence » pour une comédienne, un saxophoniste, un percussionniste, électronique et vidéo en temps réel fut dernièrement créée à l’Amphithéâtre de l’Espace Landowski de Boulogne-Billancourt. Directeur artistique de l’association Syntono, Nikos Koutrouvidis lance Synoork en 2013, projet d’orchestre d’ordinateurs qui associe la pédagogie à la création musicale et dont la troisième édition a débuté en janvier 2016 à Boulogne-Billancourt. Il travaille actuellement sur Ubique, cocréation pour violoncelle, saxophones et orchestre d'ordinateurs dans le cadre de Synoork 2016.
Des Airs, des Eaux et des Lieux
(Περὶ ἀέρων, ὑδάτων, τόπων)
Titre emprunté du texte homonyme d’Hippocrate, « Des Airs, des Eaux et des Lieux » est une œuvre qui met en scène des éléments de la nature sous forme d’une chronique musicale.
Les matériaux sonores de la pièce sont tous issus des synthèses générées par l’ordinateur qui ont comme matière première, le bruit blanc filtré.
Cette idée d’utilisation de la synthèse à la place de l’enregistrement a pour double objectif d’une part, l’expérimentation et la compréhension des mécanismes physiques des ces éléments naturels et d’autre part, la libération créative par rapport aux contraintes liés à l’enregistrement sonore.
Le résultat sonore de ce processus « méta-acousmatique » n’a pas comme but la simulation fidèle de la nature, mais l’utilisation de ces modèles acoustiques comme inspiration pour la composition de l’œuvre musicale.
La musique de Joungmin Lee a été jouée aux Etats-Unis, en Europe et en Asie. Elle sera publiée par ABLAZE Records et Editro Sconfinarte, qui inclueront sa pièce primée « Vexatious » pour quatuor à cordes. De plus,sa pièce électroacoustique « Heterogeneous » a été sélectionnée pour le disque ABLAZE Records Electronic Masters Vol. 5. Le travail de Lee a été reconnu lors de nombreuses compétitions et appels aux partitions, dont Salvatore Martirano Memorial Composition Award, le projet Hong Kong New Music Ensemble Live from Prague, la Florence String Quartet Competition, Chang-Ak Contemporary Music Society Composition Competition, Valencia International Performance Academy & Festival, SIME International Electroacoustic Music Competition, Cicada Consort, et National Student Electronic Music Event, parmi d’autres.
Actuellement, il poursuit le doctorat en composition à l'Université de l'Iowa, et il est titulaire de diplômes de l'Université de New York (Master en technologie de la musique).
3 sounds
C’est un cliché de dire que la routine et les articles quotidiens peuvent, ensemble ou séparément, être une source d'inspiration. Les clichés peuvent parfois se révéler justes. Mes jumeaux de deux ans sont toujours attentifs et curieux. Récemment, ils ont trouvé comment la fermeture de porte à ressort fait un bruit et ont poussé la porte à plusieurs reprises. J’ai plutôt aimé le son que cela a fait. Il y a une petite horloge sur mon bureau à la maison. Elle a un tic-tac très silencieux, à la limite de l’audible. L'obscurité totale et le silence de la nuit peuvent légèrement augmenter le tic-tac de la petite horloge. J'ai aimé la sensation que cela m’a procuré. J'ai une guitare acoustique qui fonctionne bien, sinon très bien. Je l’ai souvent gratté. Je ne possède pas de violon, mais j’ai un arc. Je l'ai utilisé pour jouer de la guitare. J’ai obtenu quelque chose comme un sul ponticello, ce qui était très beau. J’ai réuni la curiosité acoustique de mes garçons, le calme relatif de mon horloge et le croisement de ma guitare pour créer une pièce de musique électronique prêt à nous plonger dans une combinaison de ces trois inspirations.
Heterogeneous
Cette pièce est une expression de la dualité de l'être humain, déchiré entre le désir et la solitude. Plus le désir devient important, plus le confinement solitaire de notre esprit devient difficile. Une bille dans une plaque de verre et une grande porte fermée représentent respectivement le désir et la solitude dans la pièce. La bille roule lentement vers le désir. Elle roule de plus en plus vite – et fait de plus en plus de bruit – mais ne peut pas déroger aux limites de la plaque. La bille se tient devant la solitude. Lorsque la solitude disparaît, la bille roule à nouveau. La porte fermée est la solitude humaine. La porte est tentée de s’ouverir, mais reste fermée encore. Elle est poussée toujours plus fortement, au point d'être bosselée. La porte gémit de douleur. Elle reste fermée comme si elle était remplie de l'intérieur. Elle défie tout entrant. La bille et la porte sont unifiés dans leur isolement. L’espace auto-confiné est désolant.
Né en 1937 à Miranda (Espagne), il a fait des études musicales avec Vladimir Ussachevsky, Mario Davidovsky et Edgar Varese à l'Université de Columbia, New York, États-Unis, a étudié l'ingénierie à Barcelona Polytechnic et l'Université de Columbia, New York, États-Unis. Auxiliaire d'enseignement à Columbia Princeton Electronic Music Centre New York, Etats-Unis (1962/5),.membre fondateur de la Phonos Electronic Music Studio à Barcelone en 1974 et sa secrétaire depuis sa création (Fondation Phonos). Coorganisateur de la CICM 2005 et SMC 2010. Chargé de cours pour l'histoire de la musique électroacoustique à Barcelone Escola Superior de Musica et de l'Université Pompeu Fabra.
Sa production musicale est principalement électroacoustique, composée de nombreuses œuvres en combinaison avec des instruments live.
Cordes (The Cocktail Party Effect)
L'effet cocktail est le phénomène consistant à tre en mesure de focaliser son attention auditive sur un stimulus particulier tout en filtrant une gamme d'autres stimuli, de la même façon qu'un fêtard peut se concentrer sur une seule conversation dans une salle bruyante. Pendant quelques années, j'ai expérimenté des processus fins de filtrage sur divers types d'échantillons. Dans le cas présent, je l'ai appliqué à l'accord d'un ensemble de cordes. Les phénomènes apparaissent de façon surprenante : écoutez avec attention, même des voix interviennent.
Van Der Linde est un artiste peintre, compositeur et multi-media travaillant dans un cadre professionnel depuis 1976.
Glass Frequencies Geometry
Cette œuvre unit l'élément du métal avec l'eau a travers du cristal. On peut observer les divers motifs géométriques qui se forment a cause de la friction sur le bord du verre.
La vidéo sert uniquement comme support visuel pour que le spectateur se rend compte que la source sonore est en direct et réel.
Stanislav Makovsky est un compositeur né en 1988 à Yourga (Siberie occidental), Russie.
Après des études au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou où il a fait ses études avec Yuri Kasparov, il entre au CNSMDP dans la classe de Stefano Gervasoni et Luis Naon (nouvelles technologies).
Ses œuvres ont été jouées par des ensembles tels que l’Ensemble Multilatérale, Recherche, Neue Vocalsolisten Stuttgardt, GAM-Ensemble, MolOt Ensemble, le Studio for New Music, MCME et d’autres.
Il a participé au festival Monaco électroacoustique (2015), Journées européennes de la musique électroacoustique à Chalon-sur-Saône (2015).
Laureat de "Prix St Christophe", Paris, France (2016), "Peer Raben Music Award" Cologne, Allemagne (2015), "Prix Macari Lepeuve", Paris, France (2015), «Best sound» dans le festival ZubrOFFka , Bialystok, Pologne (2015), «Première exécution à Saint-Pétersbourg», Saint-Petersbourg, Russie (2011).
Artiste en residence de Fondation Robert Laurent-Vibert en Chateau de Lourmarin, France. (2014-2015)
Sintro
La musique qui introduit les sons, l'espace et les objets musicaux. Nous nous promenons à travers les vagues sonores en entendant la pulsation de tout l'univers...
Benjamin O’Brien est chercheur, compositeur et interprète des musiques acoustique et électro-acoustique qui se concentre sur la similarité musicale, la traduction, et l’écoute de la machine. Il est diplôme en composition musicale et mathématiques de l’Université de Floride (PhD), Mills College (MA), et l’Université de Virginie (BA). Benjamin a étudié l’informatique musicale, l’improvisation et la théorie avec David Bernstein, Ted Coffey, Fred Frith, Paul Koonce, Roscoe Mitchell, et Paul Richards. Ses compositions ont été jouées lors de conférences et festivals internationaux, dont l’International Computer Music Conference, Electroacoustic Music Studies Conference, Toronto International Electroacoustic Symposium, et SuperCollider Symposium. Son travail est publié par Oxford University Press, Society of Electroacoustic Music in the United States, la Communauté électroacoustique canadienne, et Taukay Edizioni Musicali. Il vit actuellement en France, à Marseille.
Along the eaves
Along the eaves (« Le long de l'avant-toit ») fait partie d'une série qui se concentre sur mon intérêt dans les procédures de traduction et d'écoute de la machine. Il tire son nom de la ligne suivante dans Franz Kafka " Un croisement (Eine Kreuzung)" (1931, 1933 trans.): «On the moonlight nights its favorite promenade is along the eaves. » Pour composer cette oeuvre, j'ai développé un logiciel personnalisé écrit dans les langages de programmation C et SuperCollider. J'ai utilisé ces programmes dans différentes façons pour traiter et séquencer mes matériaux de source, qui, dans ce cas, incluent les enregistrements audio de l'eau, des bébés, et d’instruments à cordes. Comme pour les autres œuvres de la série, je suis intéressé par la fabrication de régions sonores de coïncidence, où mon mixage coordonné des sons soigneusement sélectionnés suggère des relations entre les sons et les illusions qu'ils encouragent.
João Pedro Oliveira (né en 1959) a étudié l'orgue, la composition et l'architecture à Lisbonne. Ph.D. en musique (composition) à l'Université de New York à Stony Brook, ses œuvres comprennent un opéra de chambre, un Requiem, plusieurs œuvres orchestrales, trois quatuors à cordes, musique de chambre, musique pour instrument soliste, musique électroacoustique et vidéo expérimentale. Il a reçu de nombreux prix nationaux et internationaux, dont trois prix au Concours de musique électroacoustique de Bourges, ainsi que le prestigieux Magistère dans la même compétition, le Prix Giga-Hertz, le 1er prix au concours Métamorphoses, etc. Il est professeur titulaire à l'Université Fédérale de Minas Gerais (Brésil) et à l'Université d'Aveiro (Portugal).
Hydratos
Hydatos est un mot grec qui signifie «eau».
Cette pièce est inspirée des premiers versets de l'Ancien Testament (Genèse chapitre 1: 2)
«Et l'Esprit de Dieu se mouvait au-dessus des eaux."
Michael James Olson est un compositeur, producteur et artiste des arts médiatiques qui vit au Minnesota. La musique de concert de Michael a été jouée dans le monde entier, dont Beijing Science Museum, SEAMUS, ICMC, EMM, EABD, Noisefloor Festival, International Saxophone Symposium, et Audiograft Festival, entre autres. Michael est le directeur de Root Signals Electronic Music Festival, un festival de musique électronique et d’art des médias qui présente plus de 60 compositeurs tous les ans et se tient dans des campus de tout le pays. La musique et les productions de Michael sont présentes dans plus de 25 albums et dans des films et à la télévision, dont des programmes de MTV, VH1, E!, Spike, ABC, NBC, PBS, et CBS. Il est titulaire d’un MM de Georgia Southern University et d’un doctorat de Ball State University, où ses professeurs de composition ont compris John Thompson, Michael Pounds et Keith Kothman. Michael est actuellement maître de conférences en composition musicale et technologie musicale à Minnesota State University.
Emergence
Emergence est une pièce qui raconte un voyage de plusieurs points de vue ; La vision de l'humanité du monde naturel, le monde fabriqué par l’homme, et toutes les versions entre les deux. Une narration sur écran divisé se juxtapose à des souches de pensée concurrentes ; un processus qui converge, diverge, et se réforme dans de nouvelles voies.
Paolo Pastorino (1983) est un guitariste et compositeur italien.
Depuis 2006, il commence à travailler comme ingénieur du son pour certains groupes Rock, de musique industrielle et de Nu metal. Il a étudié et a obtenu son diplôme en informatique musicale et technologie sonore au Conservatoire de Sassari (2015).
Actuellement, il est spécialisé dans les nouvelles technologies de la musique au Conservatoire de Cagliari.
Dans ses œuvres, il utilise des instruments électroniques et des algorithmes réalisés par un logiciel, ainsi que des instruments traditionnels électroniques et d'autres éléments concrets qui existent dans la nature.
Son expérience ne concerne donc pas seulement la composition traditionnelle et électronique, mais aussi la mise en œuvre de systèmes de contrôle, développés sur Max MSP, pour live électronique et pour la composition assistée.
Dimensione aggiuntiva
L'idée de base de cette composition est celle de créer le timbre et les articulations temporelles pour chaque fragment audio, c'est une façon pour moi de créer une chronologie des événements.
J'ai essayé de sculpter chaque objet sonore de façon à créer une forme vivante capable de se déplacer dans un espace imaginaire.
« Dimensione aggiuntiva » signifie une dimension supplémentaire qui fait généralement référence à une nouvelle extension des objets.
A travers l'élaboration de sons concrets et de synthèse, je suis à la recherche de nouveaux timbres qui me conduisent à choisir des stratégies et des solutions de composition différentes de façon à rendre chaque nouvelle composition différente des autres.
Chaque échantillon a été traité par des algorithmes que j’ai développés sur Max / MSP.
Diplôme en composition - Universidade de Aveiro (avec 3 bourses de soutien). Doctorant (Musicologie) - FSCH-UNL. Séminaires de composition avec Emmanuel Nunes et Stockhausen. Chercheurs à l'Institut d'ethnomusicologie. Directeur artistique du Festival - DME (Dias de Música Electroacústica). Directeur du Conservatoire de Musique de Seia. Professeur à EMNSC, Piaget Institut, Universidade Nova de Lisboa et ESART-IPCB.
Fluxus, Lift
Cette pièce appartient au cycle Fluxus, dont les pièces sont inspirées par des éléments de la physique et dans lequel des éléments musicaux qui se rapportent à certains phénomènes physiques liés à la mécanique des fluides sont développés. D'autres pièces de ce cycle sont "Fluxus, Dimensionless sound" pour flûte et électronique (commandée par le Festival pour la libération du son et de l'image, Paris, 2012), "Fluxus, Flow Transitional" (commandée par le festival Primavera, Portugal, 2013), entre autres compositions en cours. Cette pièce en particulier utilise des sons enregistrés d'avions à l'Aéro-Club de Torres Vedras et des techniques de synthèse utilisées pour simuler les types de sons qui se rapportent à l'idée de « portance » dans une perspective de l'aérodynamique et de la musique. La pièce a été créée au Festival Monaco Électroacoustique 2013.
Saxophoniste de formation, Jonathan Robert s’est intéressé à la composition électroacoustique par sa pratique de l’improvisation libre, en lien avec le traitement du son.
Sa recherche en tant que compositeur acousmate est d’allier la puissance et les possibilités de l’électronique à la vitalité de la respiration physique et instrumentale.
Diplômé du CNSMDP en improvisation, théâtre instrumental et pédagogie, Jonathan Robert partage ses activités entre la pratique instrumentale, la composition et l’enseignement.
Il étudie actuellement la composition électroacoustique au Conservatoire de Pantin.
Ses oeuvres électroacoustiques ont notamment été jouées à Evreux, au Havre, à Pantin ainsi qu’aux Lilas, lors des festivals Tourneson, Pied Nu et Musica Temporalia.
pHHp
pHHp se veut une étude de composition sur le modèle henryen.
Le matériau sonore a pour thème le pH, ses différents états et transformations. La forme gazeuse de l’hydrogène (dihydrogène) est au centre de la composition par son aspect éolien, volatile et volubile, presque vocal, exploité ici dans une combinatoire proprement henryenne. Le clin d'oeil à Pierre Henry (pH) se prolonge par le travail sur les deux voies-voix des Haut-Parleurs (Hp).
On ne restera pas neutre devant le caractère basique du propos, la solution de ce pH-là pouvant être parfois acide…
Aldo Rodriguez. Né à Culiacan, Sinaloa, Mexique en 1966. Sa vie a été de la musique et de la technologie : pionnier en arts électroacoustiques et numériques à Sinaloa et le nord-ouest du Pacifique, compositeur et chercheur, artiste sonore et visuel. Il est diplômé en musique électroacoustiques et arts numériques de l'Ircam.
Comme artiste visuel il a remporté le Northwest Biennal Visual Arts étant le premier compositeur / artiste visuel à Sinaloa pour obtenir cette distinction, ainsi que la XXV Biennale Hall of Plastic Sinaloa en 2012. Il a été choisi par le Musée d'Art de Sinaloa et la Fondation Bancomer pour assembler une œuvre immatérielle de génétique : une projection d’hologramme de l’ADN de Sinaloa générant sa propre Masica en temps réel.
Son exposition Rendevouz12 a été exposé en France, en Espagne, en Autriche, aux États-Unis. Il a conçu la scénographie multimédia pour des opéras.
Il est considéré comme le compositeur / artiste visuel le plus important de sa génération et au nord-ouest du pays.
Landscape (2015)
Cette œuvre - Landscape (Paysage ou Paisaje en espagnol) est une œuvre audiovisuelle qui montre comment les médias affectent la façon dont les gens perçoivent eux-mêmes et leur monde.
Nous vivons dans une ère numérique ... beaucoup de gens souffrent de dépression numérique. Cette ouvre a été créée en utilisant le mouvement de l'eau, un moteur de dysfonctionnement, les sons d’avions à réaction et de navires qui s’approchent... tout ce mélange lié à une impulsion ... une impulsion numérique.
Nicolas Royer-Artuso détient des diplômes en composition musicale, en sciences cognitives et en linguistique, et prépare actuellement un doctorat en linguistique. C’est un musicien expérimenté spécialisé en musique Ottomane et traditions connexes.
Tomasz Neugebauer (Canada)
Tomasz Neugebauer est bibliothécaire associé, Projets Numériques & Développement de Systèmes à l’Université de Concordia (Montréal, Canada). Ses centres de recherche comprennent les données de recherche numérique, la visualisation d’informations, la bioinformatique et le développement de logiciels libres.
Carex Siderosticta Plastid - Photosystem II
Cette composition est fondée sur des partitions musicales générées par un logiciel que nous avons développé et qui transpose les séquences ADN en notation musicale. Cet exemple en particulier convertit les gènes qui sont responsables de la photosynthèse trouvés sur le plaste d’une plante de carex siderosticta. Nous avons ensuite adapté cette partition pour deux violons. Nous nous sommes concentrés sur le codage des gènes du photosystème. Toutefois, avec le développement du logiciel il serait possible de convertir rapidement n’importe laquelle des 100 millions de séquences individuelles de la GenBank en partition musicale.
Demian Rudel Rey (Argentine, 1987). Compositeur et guitariste, il a obtenu un diplôme de guitare au Conservatoire Astor Piazzolla et à l’EMBA. Il a complété sa Licence en Composition à l'Université Nationale des Arts en 2014 (Argentine). Il prépare un Master de Langages Artistiques Combinés à l’UNA (Argentine, 2016).
Il a reçu plusieurs prix dont TRINAC 2012, TRIME 2012, FINM 2012, BIENAL Bahía Blanca 2013, SADAIC 2013, conDiT 2014, TRINAC 2015, Fundación Destellos 2015, FAUNA 2015, Indie FEST Film 2016, Concours de Composition du Konex Mozart 2016, etc. Ses œuvres ont été sélectionnées pour des festivals de Mexique, Italie, États-Unis, Espagne, Argentine, Angleterre, France, Chili, etc. Il a participé comme artiste d’échantillonnage en direct dans l'œuvre "Les Chants de l'Amour" de Grisey dans l'Usina del Arte (2013) et dans l'œuvre "Das Mädchen mit den Schwefelhölzern" de Lachenmann au Teatro Colón (2014). Actuellement, Il est Coordonnateur des Relations Institutionnelles du Festival Bahía[in]sonora.
Céfiro
Céfiro (2015) est une vidéo expérimentale avec de la musique électroacoustique. La pièce suggère un environnement sous-marin, humide et profonde dans nos esprits.
Il y a des objets qui apparaissent et disparaissent dans un océan d'idées où l'obscurité empêche et, la lumière cherche à guider et révéler l’imploré. L'eau est l'élément le plus important de la pièce, perçue dans les matières visuelles, musicales et verbales (on peut entendre des mots comme la pluie, la flaque d'eau, l'eau en espagnol (agua)).
La pièce essaye de refléter le processus de développement d'une idée dans ses différentes étapes ; l'incertitude, la découverte, le développement, et enfin la création.
Né en 1989 à Téhéran Iran, a commencé l'école de musique à l’âge de 14 ans.
Il ets entré au Conservatoire de Musique Tbilisi de la Géorgie et a commencé ses études de composition contemporaine avec Maka Virsaladze et Eka Chabashvili (compositeur recommandé par K.H. Stockhausen). Il a développé des projets de composition et d'orchestration, des collaborations et des commissions avec le GEPO orchestre (UNESCO), Tbilissi Contemporary Ensemble, Omnibus Ensemble, Stockholm Saxophone Quartet, Aepex Contemporary Performance dans le Michigan, il a participé à des ateliers et masterclasses sur le thème de la composition et de la notation contemporaines, l’improvisation libre, la musique électronique.
Sa musique a été interprétée aux Etats-Unis, en Géorgie, en Arménie, en France, en Ouzbékistan, en Iran.
Railroading in the East
Railroading in the East (1897-1906)
un film de : Thomas Edison
Musique : Arshia Samsaminia
Sur la musique :
Tous les sons entendus dans cette pièce sont enregistrées à partir du métro de Tbilissi en République de Géorgie, à partir du moment d'entrer dans la station jusqu'au moment de monter dans le train, et le trajet à bord entre deux stations. Les enregistrements ont ensuite été échantillonnées, traitées et utilisées comme matériau dans la composition.
Sur le film :
Thomas Edison était l'inventeur du Kinetograph et Kinetoscope. Cette image de mouvement silencieux qui se compose de divers enregistrements de trains à vapeur américains dans tout le pays, montre les premières expérimentations d'Edison avec les techniques d'enregistrement d'images animées.
Compositeur vénézuélien, musicologue et clarinettiste. Il a reçu une licence en musique de Central University du Venezuela, et une maîtrise en musicologie latino-américaine de Central University du Venezuela. Il a été dans des master classes de composition avec William Bolcom, Richard Dubugnon, Alfredo Del Monaco, Diana Arismendi, Adina Izarra, Gerardo Gerulewics, Juan Francisco Sans, entre autres. Il a remporté huit prix et mentions « Honorable » dans plusieurs concours nationaux.
Birds Etude
Cette pièce tente de recréer un environnement équilibré entre les chants de différents oiseaux et des sons électroniques qui interagissent avec eux. A la fin, les Birds Etude combine des éléments de la nature avec des sons de la technologie actuelle et future.
Ana Paola poursuit un doctorat en composition musicale à l'École de musique Schulich de l'Université McGill. En même temps, elle a également fait des expériences dans les Studios de composition numérique de McGill, étudiant avec Philippe Leroux. Elle est actuellement compositeur en résidence pour le McGill Contemporary Music Ensemble sous la direction du chef d'orchestre Guillaume Bourgogne. Ana Paola a reçu son diplôme de maîtrise de l'Université Rice et son Licentiate dans la composition de la musique du Trinity College de Londres. Elle a reçu plusieurs prix et bourses, dont la bourse d'études Fulbright. Sa pièce NEMESIS a représenté le Mexique au 57e Tribune Internationale des Compositeurs de l'UNESCO. Sa pièce "Fractum" est publiée par ALEA Publishing & Recording.
ONEIROPHRENIA
Oneirophrenia est basée sur un trouble mental grave. Un type de schizophrénie, ses symptômes comprennent des délires et autres instabilités. Elle est liée au manque prolongé de sommeil, provoquant la solitude et l’isolement. La vidéo est divisée en 3 sections : La première vous mène à l'expérience de la vue réelle et de l'état schizoïde d'un patient avec cette maladie débilitante. La deuxième section inclut un débat de certaines personnes contre le traitement forcé de la maladie mentale, affirmant qu'il provoque des effets mentaux plus nocifs pour les patients. La troisième section reflète la bataille perdue du patient. La schizophrénie est fortement liée au risque de tentatives de suicide et aux suicides. On croit que plus de 40% des personnes atteintes de schizophrénie va tenter de se suicider au moins une fois.
L'interaction entre la musique et les images renforce l'atmosphère globale de ce profil clinique.
Julian Scordato a étudié la composition (BA) et la musique électronique (MA) au conservatoire de musique de Venise. Il s’est spécialisé en art sonore à l’Université de Barcelone avec une thèse intitulée « Introduction au séquenceur graphique IanniX ». Membre co-fondateur de l’Arazzi Laptop Ensemble, il a travaillé comme assistant de recherche pour le laboratoire de traitement du son et de la musique du conservatoire de musique de Padoue. En tant qu’auteur et conférencier, Scordato a participé à des conférences dont récemment le 21ème Symposium International sur l’art électronique et la première conférence de l’association European Sound Studies, présentant des résultats en lien avec des systèmes interactifs de performance, l’art génératif, et les réseaux de feedback audio. Sa musique électronique et ses œuvres audiovisuelles ont été présentées dans de prestigieux festivals et institutions en Europe, Amérique et Asie.
Pulsion X
X est un objet abstrait : l’inconnu, le point comme un élément de génération. X est également l’opération : la multiplication ; la négation en tant que fonction de résistance. Par des processus génératifs audiovisuels, Pulsion X introduit la forme réticulaire : des nœuds sont connectés les uns aux autres et la microforme explose. Globalement, la chaîne d’explosions générales décrit une texture en constante expansion. Néanmoins, les nœuds se manifestent dans une atemporalité apparente, dans une immobilité réelle.
Timothy TAN (timbretan) débat souvent avec des thèmes de puzzles complexes, de la vie avec la mort, et de l'histoire avec les prévisions futures. Il n'a pas peur des histoires sombres, agressives et ironiques. Sa musique instrumentale et électronique a souvent des développements inquiétants, puisque ses œuvres évoquent diverses aversions, comme les abus de la vie, la domination écrasante, les personae dysfonctionnantes, la perte de l'histoire et des sens humains, ainsi que de la violence et de la haine, dans l'espoir d'une issue positive, comme Psaltria ignominiosa (The Disgraceful Harpist), Walkback (Persona nefanda) et Records of Pulau Ujong. Timothy explore également des éléments algorithmiques, comme dans Formicae Mortuae (Fourmis mortes / Pour une fourmi morte) et Hypertuba magna; et le spectralisme, comme dans Birds Dissected pour 8 haut-parleurs.
Timothy explore actuellement les systèmes chaotiques comme des solutions innovantes, viables pour sa musique électronique à venir, tout en débutant les performances audiovisuelles en direct. Il est également membre de la Composers Society of Singapore.
Parasol
Parasol met en œuvre une suite logistique filée sur un disque, dont la valeur r augmente logarithmiquement de 0 à 4. Bien qu'elle puisse commencer comme un motif régulier, les modèles chaotiques émergent rapidement tant pour le disque en rotation que pour l’audio, mais avec des épisodes occasionnelles, peut-être imprévisibles, de régularité. Je choisis la suite logistique, qui est sans doute le plus simple système chaotique découvert, et qui nous permet d'apprécier facilement l'existence du chaos, aux côtés de l'aléatoire et de la régularité, comme un paradigme applicable à la fois aux sciences et aux arts. Ce parasol peut aussi être vu comme une sorte d'abri qui peut changer de forme de façon spectaculaire sous la suite logistique, jusqu'à ce que le parasol s'évapore dans l'oubli.
Anna Terzaroli est titulaire d'une licence en musique électronique du Conservatoire Santa Cecilia à Rome, où elle termine actuellement une maîtrise en musique électronique. En même temps, elle étudie la composition avec Francesco Telli. En tant que compositeur, elle s’est dédiée à l'acoustique contemporaine et musique électroacoustique. Ses œuvres musicales sont sélectionnées et présentées dans de nombreux concerts et festivals en Italie et à l'étranger.
Depuis 2009, elle collabore à la EMUfest (Electroacoustic Music Festival du Conservatoire Santa Cecilia).
Elle est membre du conseil d'administration AIMI (Association italienne d’informatique musicale).
Dark Path #4
Dark Path # 4 est une pièce acousmatique de musique électroacoustique. Les sons utilisés dans la pièce, traitées, puis "composés" pour créer l'œuvre musicale, ont été enregistrés dans un paysage sonore cher à l'auteur, situé dans la région italienne des Marches. "Dark Path # 4" peut être défini comme un voyage à travers la lumière, l'ombre, la forme, la couleur, les dérives et les atterrissages.
Andy Thierauf est un percussionniste et compositeur basé en Philadelphie qui se spécialise dans la création et l'exécution de la musique contemporaine. Il est particulièrement intéressé par la combinaison de percussions avec le théâtre, la danse, et la technologie.
Il s’est produit à Philadelphie, New York, Boston, en Argentine, et à travers le Midwest dans les festivals de musique, des conférences et des colloques. Ses centres de recherche créatives sur l'intégration transparente de la technologie sur la performance pour produire des présentations, des multimédias de collaboration avec des écrivains, danseurs, comédiens, chorégraphes et compositeurs. En 2016, il a auto-publié une collection d'œuvres pour percussion solo et électronique live.
Andy est la moitié de « stb x at », un duo danse / percussions avec le danseur et chorégraphe Sean Thomas Boyt. L'ensemble a joué dans diverses universités, galeries d'art et lieux non traditionnels à travers la côte Midwest et de l'Est.
Deep Submerge Number 6
Une étude de la physique de l'eau.
Rocío Cano Valiño (Argentine, 1991). Compositeur et concepteur sonore. Son œuvre "Catarsis sinusoïdal" a été sélectionnée dans le PAS-E (Italie, 2014), au MUSLAB 2014 (Mexique), au FILE Hypersonica 2016 (Brésil) et Phas.e 2016 (Royaume-Uni). Son œuvre "El Sendero hacia lo Profundo" a reçu le prix du public au concours Luigi Russolo 2014 (France-Espagne). En outre, elle a été sélectionnée pour le "Primer Encuentro de Música Contemporánea" à l'Université Nationale des Arts (Argentine, 2014). Au cours de 2015, elle a été chargée d'une œuvre quadriphonique électroacoustique pour le festival Bahía [en] Sonora 2015. Le concert a été réalisé au Teatro Municipal de Bahía Blanca (Argentine). Cette pièce a été sélectionnée dans le 2ème Congrès international sur la science et la technologie de la musique (Argentine, 2015), Festival ZEPPELIN 2015 (España), MUSLAB 2015 (Mexique), Sonosíntesis Internacional Festival de 2016 (Mexique) et II Electroacoustic Music Festival de l'Université Catholique 2016 (Chili). Rocío est PDG de LINSEN Media Productions depuis 2013.
Catarsis Sinusoidal
Une sinusoïde ou un ton pauvre pris dans son spectre peuvent avoir des transformations vers quelque chose de complexe et méconnaissable dans son timbre qui génère une catharsis pour revenir à son état primitif. Ces transformations sont faites à travers les processus qui peuvent être considérés comme les déformations sonores pour en créer d’autres. La sinusoïde est une genèse de l'élément son. C’est le son le plus simple qui permet de concevoir des timbres plus complexes grâce à cet élément essentiel.
Analogiquement à cela, il y a des situations similaires dans la vie quotidienne, ce qui signifie, des changements d'humeur du simple au complexe, d’organisé au chaotique et vice versa. Dans la pièce, nous pouvons percevoir comment un type de bruit différent affecte le développement des éléments entièrement.
Kyle Vanderburg (né 1986) compose la musique éclectique polystylistique alimentée par une pulsion rythmique et un engouement mélodique. Ses œuvres acoustiques ont été jouées par des ensembles tels que Brave New Works, Access Contemporary Music, et Luna Nova, et ses œuvres électroniques ont été présentéese lors de conférences nationales et internationales, telles que ICMC, EMUfest, SCI, CICTeM et NYCEMF.
Kyle est diplômé de l'Université Drury (AB), où il a étudié la composition avec Carlyle Sharpe et de l'Université d'Oklahoma (MM, DMA), où il a étudié avec Marvin Lamb, Konstantinos Karathanasis, Roland Barrett, et Marc Jensen. Il a également participé à des masterclasses de composition avec David Maslanka, Chris Brubeck, Eric V. Hachikian, Benjamin Broening, et Daniel Roumain entre autres.
Reactions
Reactions (Réactions) est une miniature électroacoustique qui s’inspire des états de la matière en utilisant des sources sonores ayant une forte présence de substance matérielle. Le titre fait référence à la fois au processus compositionnel de création des gestes de cause à effet par juxtaposition de sons, et aux réactions chimiques que ce processus tente d'imiter.
Licence de Conceptrice réalisatrice interventions artistiques.
DNEAP et Master TRANSDOC à l’école d’art [HEART].
DEM auprès de Denis Dufour et Jonathan Prager.
Aujourd’hui participante à la classe de Lucie Prod’homme.
On arrête pas le progrès
« On arrête pas le progrès » est la seconde partie d'une pièce composée en 2015 portant le nom de "La force des choses". J'ai cherché, en la composant, à conjurer mes craintes devant le futur, tout en m'efforçant de garder mon humour.
Davide Wang est un violoncelliste et compositeur italiano-chinois, né à Bari (Italie) en 1997. Il a étudié le violoncelle avec Francesco Montaruli, la composition électroacoustique avec Franco Degrassi, Nicola Monopoli et Alba Battista, et la composition avec Daniele Bravi.
Il prépare actuellement la licence en musique électronique au Conservatoire "Umberto Giordano" à Foggia.
Il a assisté à des masterclasses de compositeurs parmi les plus importants sur la scène internationale, comme Giorgio Nottoli, Michael Oliva, Mauro Lanza, Denis Dufour et Alvin Curran.
Il était retenu dans les festivals internationaux: Journées Art & Science - Musique et Lumière 2015, Muslab 2015, Shanghai Electroascoustic Music Week 2015, Cicada Consort 2016, New York City Electroacoustic Music Festival 2016, Suoni Inauditi 2016, Concrete Timbre 2016 etc.
Sphairos
Sphairos est une composition acousmatique inspirée par la philosophie de l'Empedocle d'Agrigente, l'un des plus importants philosophes de la Grèce antique.
Empedocle a déclaré que le monde se développe sur quatre racines: le feu, l'eau, le vent et la terre. Ces racines sont contrôlées par deux forces, philia (amour) et neikos (haine), qui permettent leur union et leur séparation. Lorsque philia prend le contrôle sur neikos, les quatre racines forment le Sphairos, une sphère où les 4 éléments coexistent harmonieusement.
La pièce inspirée par cette théorie, utilise comme matériau d'enregistrement les quatre éléments, manipulés sur ordinateur en utilisant le Csound du programme, et le son n’est pas attribuable à la matière de départ.
Lorsque tous les éléments sont mis ensemble, le Sphairos apparaît et de la vie ne peut exister avec elle.
Roberto Zanata est né à Cagliari, en Italie, où il a également été diplômé en philosophie. Compositeur, musicien et musicologue dans la musique électronique, il a étudié et obtenu son diplôme en composition et musique électronique au Conservatoire de Cagliari. Au milieu des années 90 Roberto est devenu actif en Italie et à l'étranger. Il a écrit de la musique de chambre, de la musique pour le théâtre, de la musique informatique, électroacoustique et musique acousmatique ainsi que des œuvres multimédias.
Dans les concours internationaux, ses œuvres se sont vus attribuer le Grand Prix International de Musique Electroacoustique (Bourges), Interference Festival (Pologne), Festival Sonom (Mexique) et plus encore.
Il enseigne actuellement la musique électronique au Conservatoire de Bolzano.
START - UP
"START - UP" est le deuxième de mes œuvres audio / vidéo générées par un modèle donné à l'aide de diverses données de noeud. Le but principal de ce travail, est fondé sur la possibilité d'utiliser des objets audio / vidéo pour mettre en œuvre des processus dynamiques à la conception d'une sorte d’organisme sonore vivant imaginaire. Le but est toujours l'intention de créer une intersection entre l'objet audio et l'objet vidéo et non pas seulement une synchronicité simple.
Musicien éclectique né à Albertville (Savoie), il a fondé les ensembles XASAX, le duo Thuillier-Bertocchi (tuba-saxophones), le Trio Lézards Dégénérés (guitare, tubax, batterie), le Trio de Barytons (F. Corneloup, D. Lazro), le quartet “40 after JC”, l’ensemble de saxophones Amiens Sax Project, Ars Gallica ; il joue avec Yochk'O Seffer, Art Zoyd, Musiques Nouvelles Mons, l'Orchestre Philharmonique de Radio-France ; il a joué sous la direction de Myung Wung Chung, Armin Jordan, Peter Eötvös, Arie van Beek, Sylvain Cambreling, Pascal Rophé, Luca Francesconi ...
Flûtiste, chercheur à INET-MD et enseignante à l’Université d’Evora, elle a fait ses études à l’Académie de la musique et des Arts du spectacle de l’Université de Bratislava, Slovaquie, d’où elle détient également le titre de Docteur en performance musicale contemporaine en 2005. (Thèse sur la Sublimation dans la Musique « Ab Libidum ») Actuellement elle s’intéresse aux techniques contemporaines de la flûte pouvant contribuer au développement créatif de la sonorité. En 2006, son CD “Luminiscence” a obtenu le plus haut prix de la critique musicale de la Radio Tchèque.
Avec ses flûtes (modernes et baroques), par l'interprétation, la création et l'improvisation, Claire Marchal explore la musique et la vie. Elle cherche une voix/e personnelle qui lui permet de toucher son auditoire, dans une vision de la musique dynamique et sensible. Aussi, au sein de Melle GLC (ensemble instrumental / instruments anciens et musique contemporaine), elle joue les flûtes baroques et déplace les limites historiques, esthétiques et sonores de l'instrument. Dans le même esprit, le projet "typophonie" partagé avec la graphiste Céline Boinnard, donne à voir l'énergie sonore, en même temps qu'à entendre le mouvement dessiné par le trait.
La flûtiste polonaise Alicja Molitorys mène une carrière active en tant que soliste, chambriste, membre d'orchestre et enseignante. Depuis 2000 elle occupe la position de flûtiste principale de l’Orkiestra Muzyki Nowej (Orchestre de musique nouvelle) avec lequel elle a joué à des festivals internationaux de musique contemporaine en Pologne, à travers l’Europe et la Chine. Avec l’orchestre, elle a enregistré des CD pour la Radio Polonaise, Decca, DUX et Aurora.
Guitariste de formation jazz aux ENM de Chambéry et Bourg-en-Bresse, professeur de guitare et musiques actuelles au conservatoire de Belley.
Jean-François Charles crée là où musique et technologie se rencontrent. De son travail avec la poète Ruth Lepson et le flûtiste Mario Caroli (Live Saturation, 2009) à la bande son collaborative de 52 minutes pour le film de Dziga Vertov La Onzième Année (The Eleventh Year, avec Nicolas Sidoroff et quatre autres musiciens, 2015), jusqu'à son travail de chimie musicale avec le souffleur de verre Benj Revis (Aqua ignis, 2018), il excelle en fusionnant diverses personnalités sonores acoustiques et électroniques.
Hongshuo Fan est un artiste sonore et compositeur multimédia chinois. Il prépare actuellement son doctorat au centre de recherche NOVARS (Université de Manchester). Il est dimplômé du Département de Musique Electronique au Conservatoire de Sichuan, où il était membre du Sichuan Key Laboratory of Digital Media Arts.
Krzysztof Wolek (né en 1976, Bytom, Pologne) est un compositeur, improvisateur et créateur d'installations artistiques. Il travaille actuellement en tant que professeur associé de composition musicale et directeur d'études de composition numérique à l'Université de Louisville.
Sergio Blardony est né à Madrid en 1965. Il étudie la composition avec R. J. de Vittorio et - pendant quatre années - avec J. L. de Delas à l'Université Alcalá de Henares. Il a également assisté à la fois à des cours de composition et d'analyse avec Heinz-Klaus Metzger, Rainer Riehn, Helmut Lachenmann, Enrico Fubini, Luis de Pablo, etc.
La musique de Maurilio Cacciatore vient de la combination entre les instruments de musique acoustique et les ressources de la musique numérique, à travers la programmation informatique et l'utilisation d'objets électromécaniques. Le résultat est une texture complexe avec plusieurs couches, où, entre les instruments classiques et l'électronique pure, plusieurs couches hybrides sont utilisées par l'intégration de techniques de jeu et diffusion non conventionnelles. Au-delà des standards de la spatialisation, les dispositifs de Maurilio Cacciatore explorent des solutions non codés, en combinaison avec une recherche sur les équipements, les algorithmes et matières musicales spécifiques.
Nikos Koutrouvidis est né à Athènes en 1966 et il vit à Paris depuis 1994. Ingénieur de formation initiale, il obtient un diplôme de composition pour le cinéma et le théâtre au Conservatoire Filipos Nakas d’Athènes, et il écrit de nombreuses œuvres pour des films et des pièces de théâtre. Diplômé de composition au Conservatoire National de Région de Strasbourg dans la classe d’Ivan Fedele, il reçoit un premier prix d’Acoustique musicale au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de Michèle Castellengo, et il suit également la formation ATIAM (Acoustique, Traitement du signal et Informatique Appliqués à la Musique) à l’Ircam. En 1998, il est accueilli comme compositeur en résidence par l’ACROE-ICA (Association pour la Création et la Recherche sur les Outils d’Expression - Ingénierie de la Création Artistique) sous la direction de Claude Cadoz à Grenoble. En 2000, il crée l'association Syntono qui a pour but la création, la diffusion et la promotion de la musique contemporaine, avec laquelle il organise les « Rencontres Internationales Syntono entre compositeurs et interprètes » de 2000 à 2007. En 2004, il est l’assistant de Christine Groult dans la classe d’électroacoustique au Conservatoire à Rayonnement Départemental de Pantin. En 2013, il lance Synoork (orchestre d’ordinateurs Syntono) qui a pour objectif principal de sensibiliser des musiciens professionnels ou amateurs au rôle de l’ordinateur comme instrument de musique au sein d’un ensemble transdisciplinaire. Autour de chaque création, des ateliers pédagogiques de sensibilisation à la musique et l’ordinateur, d’initiation à la programmation musicale (MAX/MSP et Pure Data), d’interprétation et d’improvisation électronique, sont proposés. Sensible aux différents chemins de la création contemporaine, et plus spécialement aux relations entre la musique, le spectacle vivant et la technologie, le travail de composition de Nikos Koutrouvidis gravite autour de la recherche concernant le temps musical, et plus précisément la notion de la temporalité sonore et musicale. Depuis 2010, il travaille principalement sur la création de spectacles associant musique et technologies. Et c’est dans cette nouvelle perspective que quatre créations ont déjà vue le jour : le conte musical Poirette pour une conteuse et ordinateur en temps réel (2012), le spectacle L'avenir du silence pour une comédienne, un saxophoniste, un percussionniste, électronique et vidéo en temps réel (2013), le spectacle musical Ecoman pour un conteur et deux ordinateurs (2015) et Ubique pour violoncelle, saxophone et orchestre d'ordinateurs (2016).
Luis C. Martinez Wilde (1986) est compositeur de la musique électroacoustique et chercheur bolivien. Il a commencé ses études de composition sous la direction de Gastón Arce Sejas à l'université de Loyola (Bolivie) et plus tard avec Alberto Villalpando. Pendant ces années il a commencé à expérimenter avec la musique électroacoustique, domaine dans lequel il a décidé de se spécialiser en prenant des cours et participant aux workshops auprès de nombreux compositeurs et artistes sonores. Son oeuvre comprend des pièces de live-electronic, d'acousmatique, de musique mixte et générative, ainsi que des pièces pour choeur et de la musique de chambre. Actuellement, il se dédie principalement à la composition électroacoustique et à la recherche musicale. Ses oeuvres ont été jouées lors de festivals en Amérique Latine et en Europe.
João Pedro Oliveira (né en 1959) a étudié l'orgue, la composition et l'architecture à Lisbonne. Docteur en musique (composition) à l'Université de New York à Stony Brook. Ses œuvres comprennent un opéra de chambre, un Requiem, plusieurs œuvres orchestrales, trois quatuors à cordes, musique de chambre, musique pour instrument soliste, musique électroacoustique et vidéo expérimentale. Ayant reçu de nombreux prix nationaux et internationaux, y compris trois prix au Concours de musique électroacoustique de Bourges, ainsi que le prestigieux Magisterium dans la même compétition, le Prix Giga-Hertz, le 1er prix au concours Métamorphoses, le 1er Prix au Concours Musica Nova, etc.. sa musique est jouée dans le monde entier, et la plupart de ses œuvres ont été commandées par de prestigieuses institutions internationales. Il est professeur titulaire à l'Université Fédérale de Minas Gerais (Brésil) et professeur à l'Université d'Aveiro (Portugal). Il a également publié plusieurs articles dans des revues nationales et internationales, et a écrit un livre sur la théorie analytique de la musique du XXe siècle.
Theodore Teichman a étudié la neurobiologie et la composition musicale au BXA Intercollege Degrees Program. Il s’intéresse tout particulièrement aux systèmes d’attention perceptive dans le système auditif, et à comment le cerveau apprend à donner du sens à un environnement auditif complexe. Sa thèse de spécialisation au Dietrich College, intitulé “Training dynamics for sustained auditory selective attention” étudie les mécanismes et schémas de l’apprentissage pour améliorer l’attention auditive sélective soutenue et comment ces paradigmes utilisés en laboratoire peuvent être généralisés à des formes environnementales d’écoute. Ses oeuvres ont été jouées en Californie, en Pennsylvaie, au Canada, en Ukraine, aux Pays-Bas et au Royaume-Uni. Son oeuvre Haiku a été sélectionnée pour être incluse dans la présentation musicale du projet Moon Ark et sera envoyé dans une capsule à la lune ainsi qu’en tournée à 14 villes européennes, et son oeuvre Vanishing Point a été sélectionnée comme finaliste dans le concours KLK New Music Sacrarium 2016 et a été interprétée par la Philharmonie de Lviv en octobre 2016. Il s’intéresse particulièrement à l’exploration de l’intersection du temps, du contexte culturel et du lieu dans la formation et la juxtaposition de sens musical et spatial, et à comment tous ces éléments peuvent être utilisés pour créer des expériences de narration fortement évocatrices, personnelles et immersives.
